MATAHARIS.

Inés, Eva y Carmen (María Vázquez, Najwa Nimri y Nuria González) trabajan como detectives privados, empleadas bajo las órdenes de un jefe sin escrúpulos, Valbuena (Fernando Cayo). Las tres tienen en común una vida personal poco propicia, la primera solitaria y contradictoria, las otras dos inmersas en relaciones de pareja quebradas por la infidelidad y la rutina. La realizadora madrileña Iciar Bollaín pinta un cuadro de amargura existencial, puramente femenina; en donde pelean costumbrismo y mentiras. Mataharis son tres historias en una, con una estructura narrativa amena, que no intensa; en donde Bollaín, tan habitual en tramas en las que la mujer sobresale por encima del hombre, intenta lucirse, consiguiéndolo a duras penas. Meritorias interpretaciones de Najwa Nimri y María Vázquez, y deprimente obsesión de Bollaín por esculpir a sus personajes femeninos con un marchito aire de victimismo.
Inestable.

MATAHARIS (2007). Dirección : Iciar Bollaín. Guión : Iciar Bollaín y Tatiana Rodríguez. Fotografía : Kiko De La Rica. Música : Lucio Godoy. Montaje : Angel Hernández Zoido. Producción : Simón De Santiago y Santiago García de Leániz. Intérpretes : Najwa Nimri, María Vázquez, Nuria González, Tristán Ulloa, Diego Martín y Fernando Cayo. 100´Color. España. Producciones La Iguana SL.-Sogecine.
Fotografía : Tres detectives, tres mujeres instaladas en la amargura existencial : Nimri, Vázquez y González.

KING ARTHUR.

Versión de la leyenda del caballeresco Arturo de Bretaña, protagonizada por el actor inglés Clive Owen, que da la talla cómo paladín épico. En esta película, dirigida con buen pulso narrativo por Antoine Fuqua, Arturo y sus caballeros, diezmados tras combatir para el Imperio Romano contra las tribus británicas del norte durante quince años, son en realidad caballeros sármatas, pueblo guerrero localizado en lo que hoy en día conocemos por Rusia. Junto a Owen, Fuqua coloca a Guinevere, la eterna Ginebra, encarnada por la siempre interesante Keira Knightley, y a un grupo de colosos luchadores de espada, arco y hacha, encabezados por Lancelot (Ioan Guffrudd) y Tristan (Mads Mikkelsen), secundados por Gawain (Joel Edgerton), Galahad (Hugh Dancy), Bors (Ray Winstone) y Dagonet (Ray Stevenson), sin olvidarnos del mago Merlin (Stephen Dillane), en la historia de Fuqua más pagano que nunca.
King Arthur está narrada con gran respeto al mito, como cuento infantil legendario, usando un vocabulario adecuado y convirtiendo a los sajones invasores en bestias salvajes sin rumbo ni humanidad.
El guión de David Franzoni introduce pequeñas perlas, desmitificando la figura del legendario rey y de su tabla redonda, y transformando a Guinevere en una mujer astuta y rápida con el arco, muy lejos de las tradicionales cursilerías principescas.
En realidad, King Arthur es una historia de guerras, de fe, de patriotismo y de sangre derramada en pos de la libertad, pero siempre tratada desde ls posición de quien a buen seguro admira los libros de caballería y las estirpes guerreras. Como repite Bors en varias escenas del film, honor, siempre honor.
Lo peor de la película : la armadura de Arturo en la batalla final, demasiado romana para resultar original. Lo mejor : el genial malvado sajón Cerdic, interpretado por el actor sueco Stellan Skarsgard.
Generosamente fotografiada por Slawomir Idziak, con exteriores irlandeses de los condados de Wicklow y Kildare. No perderse la canción que cierra la película, interpretada por Moya Brennan, una competidora aventajada de Enya.
Entretenida y construida con un esmero fuera de cualquier duda. Un buen motivo para hartarse de palomitas.

KING ARTHUR (2004). Director : Antoine Fuqua. Guión : David Franzoni. Música : Hans Zimmer. Fotografía : Slawomir Idziak. Montaje : Jamie Pearson y Conrad Buff. Producción : Jerry Bruckheimer. Vestuario : Penny Rose. Diseño de producción : Dan Weil. Intérpretes : Clive Owen, Keira Knightley, Ray Winstone, Stellan Skarsgard, Hugh Dancy, Ioan Guffrudd, Mads Mikkelsen, Joel Edgerton, Ray Stevenson, Stephen Dillane, Til Schweiger e Ivano Marescotti. 142´Color. EE.UU.-Irlanda-UK. Touchstone Pictures-Green Hills Productions-Bruckheimer Films-World 2000 Entertainment.
Fotografía : Guinevere (Knightley), entre salvaje y sensible, encarnación del misterio de la feminidad.

THE INTERNATIONAL.

El film del director germano Tom Tykwer tiene a priori un planteamiento muy actual. Negocios sucios de alto nivel, banco metido en turbios mercadeos armamentísticos y agentes encubiertos al servicio de negros intereses. Conspiranoias para épocas de crísis internacional. Incluso la presencia de dos actores cómo Clive Owen y Naomi Watts hace que nos las prometamos felices. Luego, la película discurre de la gloria a la nula originalidad en pocos minutos de proyección. Tal vez debido a que Twyker no maneja con precisión las fichas de la partida y esta le acaba en tablas, pese a contar con el caballo ganador de su parte. Las historias como The International requieren de la precisión de un cirujano para no resultar indolentes. Y en ese aspecto, el realizador alemán se muestra tosco y demasiado vulgar. Finalmente es un secundario, el gran actor de origen ruso Armin Mueller-Stahl, quién sobresale del conjunto, realizando un trabajo excepcional; convertido en el personaje de Wilhelm Wexler, veterano tratante de negocios de espaldas a la opinión pública.
The International es una película dinámica pero carente de entidad, con las ideas poco profundas y el cristal de su discurso esmerilado en demasía.
Para pasar el rato y poco más.

THE INTERNATIONAL (2009). Director : Tom Tykwer. Guión : Eric Singer. Música : Johnny Klimek, Tom Tykwer y Reinhold Heil. Montaje : Mathilde Bonnefoy. Fotografía : Frank Griebe. Producción : Lloyd Phillips, Charles Roven y Richard Suckle. Intérpretes : Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl, Ulrich Thomsen, Michel Voletti, Jay Villiers y Haluk Bilginer. 118´Color. EE.UU.-Alemania-UK. Relativity Media-Mosaic Media Group-Studio Babelsberg-X Filme Creative Pool-Rose Line Productions-Atlas Entertainment.
Fotografía : Salinger (Clive Owen), un idealista en el corrupto mundo real.

NO COUNTRY FOR OLD MEN.

Los hermanos Coen, una de cuyas mejores películas es Fargo (1996); tienen un modo muy personal de transmitir en imágenes la decadencia humana. La atmósfera depresiva que saben dibujar no tiene similar en el cine. El ritmo narrativo de sus películas tiende igualmente al abatimiento. Sus historias siempre se crean a partir de personajes convencionales, perdedores embarcados en cruzadas imposibles, quijotes de la profundidad norteamericana. No Country For Old Men mantiene la personalidad de los Coen, añadiendo la figura de Anton Chigurh (Javier Bardem, ganador del Oscar de Hollywood de 2008 al mejor actor de reparto por su construcción del psicópata asesino con algo semejante a un peluquín colocado en su cabeza), un tipo peculiar, lleno de resentimiento, centauro de las tinieblas y hábil conversador. La interpretación de Bardem, sin ser tan épica como muchos pretendieron; posee el encanto de la más abrasiva de las chifladuras.
Destaca el trabajo del actor californiano Josh Brolin, que encarna al clásico derrotado, Llewelyn Moss; un individuo que sin pretenderlo se topa con una ingente suma de dinero. Pero él sabe de antemano que nunca podrá saborearlo. Lucha incluso por encima de sus posibilidades, pero conoce desde el primer instante que el éxito, una vez más, le rechazará.
Por detrás, Tommy Lee Jones, el sheriff Ed Tom Bell; que ofrece un rendimiento personal adecuado aunque por exigencias del guión, poco aparatoso y hasta cierto punto débil comparado con los actores antes mencionados.
No Country For Old Men se rodó en exteriores de Albuquerque, Texas y Piedras Negras y tiene un ritmo final que llega a producir cierto sopor, cómo si los Coen no supieran poner un interesante punto final y divagaran más de la cuenta.
Película muy laureada, (obtuvo además del Oscar de Bardem, los relativos a mejor dirección, película y guión, siendo nominada en Cannes y galardonada con el David de Donatello), sin embargo no reconozco en ella la más brillante historia de los hermanos Coen, capaces de mostrar con más soltura y estilo lo peor del ser humano, sin necesidad de resultar pedantes y aburridos. Definitivamente, No Country For Old Men se les fue de las manos.

NO COUNTRY FOR OLD MEN (2007). Dirección, montaje y guión : Ethan y Joel Cohen, basado en una novela de Cormac McCarthy. Fotografía : Roger Deakins. Música : Carter Burwell. Producción : Scott Rudin, Joel y Ethan Coen. Intérpretes : Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Kelly MacDonald, Tess Harper, Barry Corbin, Kit Gwin y Rodger Boyce. 122´Color. EE.UU. Paramount Vantage-Miramax Films-Mike Zoss Productions-Scott Rudin Productions.
Fotografía : El auténtico perdedor de la película, Llewelyn Moss (Brolin).

CREATURE FROM THE BLACK LAGOON.

El Doctor Carl Maia, un veterano buscador de fósiles, (interpretado por el actor Antonio Moreno, en realidad Antonio Garride; nacido en Madrid y uno de los primeros actores españoles de orígen que triunfó en Hollywood), descubre en pleno Amazonas la garra momificada de un extraño ser. Sorprendido y lleno de interés, recurre a una sociedad biológico marina, con el objeto de organizar un expedición que consiga dar con el resto de la anatomía del animal. Los doctores Williams (Richard Denning) y David Reed (Richard Carlson), con diferentes criterios sobre la investigación científica, formarán un equipo en el que también se encuentra la bella Kay Lawrence, (sublime Julie Adams).
Desde ese momento se suceden los sobresaltos cada vez que los miembros de la expedición se topan con el extraño ser de monstruoso aspecto.
Curiosamente, el rol de la criatura fue interpretado por dos actores diferentes debidamente caracterizados, uno para las escenas en tierra, Ben Chapman; y otro para los ejercicios acuáticos de la bestia, Ricou Browning.
La responsabilidad del rodaje submarino, más que decente; tuvo a James Curtis Havens como principal valedor.
Las escenas del lago negro fueran filmadas, aunque parezca mentira, en plenos Estudios Universal de California, complementadas con algunas tomas en Florida. Una bonita aventura fantástica, que se sigue degustando con mezcla de admiración y romanticismo por aquel artesanal cine de antaño. Irrepetible. Por cierto, nadie se pierda la simpática forma de respirar fuera del agua, que tiene la criatura.

CREATURE FROM THE BLACK LAGOON (1954). Director : Jack Arnold. Guión : Arthur A.Ross y Harry Essex, basado en una historia de Maurice Zimm. Montaje : Ted J.Kent. Música : Henry Mancini, Herman Stein y Hans J.Salter. Fotografía : William E.Snyder. Diseño de la criatura : Milicent Patrick. Dirección de rodaje submarino : James Curtis Havens. Productor : William Alland. Intérpretes : Richard Carlson, Richard Denning, Julie Adams, Antonio Moreno, Nestor Paiva, Ricou Browning, Ben Chapman y Whit Bissell. 79´Blanco y Negro. EE.UU. Universal International Pictures.
Fotografía : Una versión cinematográfica más de la bella y la bestia, aunque en esta oportunidad la guapa Kay Lawrence (Julie Adams) tenga menos roce con el monstruo que en otras películas con idéntico poso poético.

LA RESIDENCIA.

Cada vez que veo La Residencia, y ya van unas cuantas veces; me pregunto el motivo de que Narciso Ibáñez Serrador no haya sido un director de cine más prolífico. La Residencia es un cuento fantástico con hechuras de thriller, en donde el suspense brilla con luz propia. Un retablo gótico en donde el gusto por lo macabro resplandece, junto a ciertas connotaciones edípicas del personaje de Luis (John Moulder-Brown) hacia su madre, la regenta de la residencia internado para señoritas, Madame Fourneau (correcta Lilli Palmer). Destaca también la presencia de Cristina Galbó y Mary Maude, encarnando respectivamente a las alumnas Theresa e Irene, víctimas finales de un loco psicópata. Ibáñez Serrador recrea un universo claustrofóbico, en el que sus personajes se mueven bajo los sones de un ficticio puritanismo, y en el que todo parece conducir a un desenlace que finalmente se produce de un modo distinto al imaginado.
Exteriores rodados en la localidad cántabra de Comillas, La Residencia se ha convertido con el paso del tiempo en un film de culto, una obra genial de un hombre igualmente genial. Repito : lástima que Chicho Ibáñez Serrador no haya dedicado más parte de su carrera profesional al cine. En todo caso siempre nos quedará esta maravillosa película, en la que el miedo compite con el suspense a partes iguales. ¿Se imaginan a Narciso Ibáñez Serrador rodando para la Hammer con Vincent Price de protagonista?. Imprescindible.

LA RESIDENCIA (1969). Dirección y guión : Narciso Ibáñez Serrador, basado este, en un relato de Juan Tébar. Música : Waldo De Los Ríos. Fotografía : Manuel Berenguer y Godofredo Pacheco. Montaje : Reginald Mills y Mercedes Alonso. Producción : Arturo González. Efectos especiales : John Beaton, Don Deacon y Wilfred Thompson. Dirección artística : Ramiro Gómez. Intérpretes : Lilli Palmer, Cristina Galbó, John Moulder-Brown, Mary Maude, Cándida Losada, Conchita Paredes, Maribel Martín, Víctor Israel, Teresa Hurtado y Pauline Challoner. 99´Color. España. Anabel Films.
Fotografía : Cartel publicitario de la película.

EL REY DE LA MONTAÑA.

El bosque ha sido siempre un referente para crear historias cinematográficas de contenido fantástico. En esta ocasión, el realizador madrileño Gonzalo López-Gallego nos sumerge en un cuadro con pretensión de thriller, rodado en plena naturaleza echando mano de parajes boscosos y montañosos de Guadalajara, Burgos y Soria. El Rey De La Montaña es, en realidad; un juego de niños en donde los adultos son la presa propicia de una cacería sin cuartel.
Lo peor de esta película puede ser la idea que emerge desde las imágenes, que finalmente resulta un tanto incompleta. Puede que López-Gallego quiera dejar un hueco para el desarrollo de la imaginación del espectador, aunque a la historia le terminan faltando piezas, cómo puzzle inacabado. Es genial, eso sí; la interpretación del actor argentino Leonardo Sbaraglia, que dibuja a un hombre, Quim;
sorprendido por los acontecimientos, que poco a poco se verá en la obligación de mostrar audacia para sobrevivir. El rol de María Valverde, Bea; resulta poco preciso, no ya por el trabajo de la actriz, (una de las más firmes promesas de nuestro cine); sino por el acoplamiento del mismo dentro de la historia. A ratos, da la sensación de que Bea es un escudero insustancial del protagonista, cómo si nadie supiera la función real que representa en la historia.
El Rey De La Montaña es un film honesto, poco superficial, aunque repita el tópico cinematográfico de las cacerías humanas en plena naturaleza. López-Gallego, pegas aparte; no añade más de lo debido, ni resta un segundo de tensión a la trama, capturando el interés del espectador e incluso la reflexión interior.
Correcta fotografía y esperanza cierta de que estemos delante de uno de los directores con más futuro del cine español.

EL REY DE LA MONTAÑA (2007). Guión : Gonzalo López-Gallego. Guión : Javier Gullón. Montaje : Gonzalo López-Gallego. Música : David Crespo. Fotografía : José David Montero. Producción : Miguel Bardem, Juan Pita, Juanma Arance y Alvaro Augustín. Sonido : Daniel Urdiales. Intérpretes : Leonardo Sbaraglia, María Valverde, Thomas Riordan, Andrés Juste y Pablo Menasanch. 90´Color. España. Goodfellas-Decontrabando-Telecinco.
Fotografía : Quim y Bea, piezas en una cacería, disfrazada de juego infantil, (Sbaraglia-Valverde).

NON SI DEVE PROFANARE IL SONNO DEI MORTI.

Frente al referente del muerto canibal que regresa de la tumba, obra del fundador oficial de la saga, George A.Romero y su Night Of The Living Dead (1968); No Profanar El Sueño De Los Muertos de Jorge Grau, realizador barcelonés; es una película atípica por muchos motivos. Primero, porque los muertos vivientes responden a comportamientos distintos a los que Romero plasmó en su famosa película : van más deprisa, llegando incluso a correr, demuestran mayor fortaleza física y clavan su mirada en la víctima con un aire retrospectivo cercano al Drácula que de un modo brillante interpretara Christopher Lee. Segundo, los héroes de Grau tienen que lidiar frente a los zombis, pero aún peor; contra un jefe de policía incrédulo, (bien interpretado por el veterano actor norteamericano Arthur Kennedy) que además les relaciona con las drogas, las misas negras y el culto al demonio. Tercero, Grau no se muestra compasivo con la sensibilidad del espectador, al que regala un amplio compendio de vísceras y casquería desde la mitad de la historia hasta el final. Romero amparado por el blanco y negro daba menos muestras de sanguinolencia.
Si a todo ello unimos la presencia de la madrileña Cristina Galbó en el rol de Edna y la del actor romano Ray Lovelock encargado de dar vida al esforzado y audaz George, el resultado final se aclimata al circuito b de películas de culto entre los aficionados al cine de terror y fantástico.
Fernando Hilbeck y José Lifante, eternos actores secundarios españoles; desarrollan con soltura el rol de muertos vivientes, al tiempo que ponen el toque anecdótico al producto.
Non Si Deve Profanar Il Sonno Dei Morti es una obra menor, aunque tras de si deja intuir la presencia de un enamorado del cine, de un director catalogado como de segunda fila, cuando en realidad demuestra una puesta en escena bastante meritoria. Rodada en bellos parajes naturales de Inglaterra, además de en los estudios Cinearte de Madrid y Cinecittá de Roma, es un film que homenajea el género fantástico y deja una pequeña huella de genialidad en la carrera de un realizador menospreciado por los puristas cinematográficos.
Personalmente le concedo una oportunidad.

NON SI DEVE PROFANARE IL SONNO DEI MORTI (1974). Dirección : Jorge Grau. Guión : Miguel Rubio, Juan Cobos, Sandro Continenza y Marcello Coscia. Montaje : Vincenzo Tomassi y Domingo García. Música : Giuliano Sorgini. Fotografía : Francisco Sempere. Efectos especiales : Juan Antonio Balandín y Luciano Byrd. Producción : Edmondo Amati. Intérpretes : Ray Lovelock, Cristina Galbó, Arthur Kennedy, Aldo Massasso, Roberto Posse, José Lifante, Fernando Hilbeck, Jeannine Mestre y Francisco Sanz.
93´Color. España-Italia. Star Films SA-Flaminia PC.
Fotografía : George (Ray Lovelock), un cazador de muertos vivientes, condenado por los prejuicios policiales a convertirse en zombi.

LOS GIRASOLES CIEGOS.

Ganadora del Goya 2009 al mejor guión adaptado, Los Girasoles Ciegos está basada en una novela homónima, Premio Nacional de Narrativa 2005; escrita por el autor madrileño Alberto Méndez.
Último guión del riojano Rafael Azcona, una de las grandes y perpetuas figuras del cine español; la película posee un marcado carácter dramático, aunque peca de cierta frialdad. Siendo sincero, no me ha gustado Los Girasoles Ciegos. Creo que es una historia desaprovechada. De los actores principales, me quedo con la soberbia interpretación que Javier Cámara realiza de Ricardo, un intelectual republicano, que pasa el periodo revanchista de posguerra enclaustrado en un escondite construido tras un armario de su domicilio habitual. El actor logroñés otorga al personaje un aire taciturno, amargo y finalmente rendido ante el odio irracional de sus enemigos. Maribel Verdú no está a la altura del rol de Elena, compañera del anterior, poco convencida de lo que hace, como si le quedara grande el cometido. Tampoco el tercero en discordia, Raúl Arévalo, que encarna al diácono y soldado Salvador; parece seguro de su función.
Da la sensación, cuando finaliza la película, que ha quedado materia en el tintero, que Cuerda no ha sido capaz de someter a sus personajes y que una vez más la literatura subyace frente al cine.
Se queda corta, con mucho.

LOS GIRASOLES CIEGOS (2008). Director : Jose Luis Cuerda. Guión : Rafael Azcona y Jose Luis Cuerda, adaptado de una novela de Alberto Méndez. Música : Lucio Godoy. Fotografía : Hans Burman. Montaje : Nacho Ruiz Capillas. Producción : Fernando Bovaira, Emiliano Otegui y Jose Luis Cuerda. Vestuario : Sonia Grande. Intérpretes : Maribel Verdú, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Roger Príncep, José Angel Egido, Martin Rivas e Irene Escolar. 98´Color. España. Estudios Organizativos y Proyectos Cinematográficos SL-Sogecine SA-Producciones Labarouta-Producciones A Modiño.
Fotografía : Madre e hijo, víctimas de una guerra cruenta y con la vida truncada por el odio, (Elena y Lorenzo); interpretados por Maribel Verdú y Roger Príncep.

TEETH.

Sencillamente incalificable. Teeth me ha hecho descubrir un nuevo género cinematográfico, el género idiota. Quienes deseen comprobar cómo se derrocha tiempo de rodaje, amparándose en un supuesto guión con absurdas pretensiones pseudo psicoanalíticas, pueden dejarse estafar por este bodrio de inconmensurables medidas. Luego no digan que dejé de avisarles, queridos amigos.
Muy mala.

TEETH (2007). Dirección y guión : Mitchell Lichtenstein. Música : Robert Miller. Montaje : Joe Landauer. Fotografía : Wolfgang Held. Intérpretes : Jess Weixler, John Hensley, Josh Pais, Hale Appleman, Julia Garro y Ashley Springer. 94´Color. EE.UU. Teeth-Dimension Extreme Films.
Fotografía : No hay un sólo segundo de descanso para la idiotez en este engendro de imposible análisis y compleja digestión. Ni siquiera su actriz protagonista, la guapa joven de Louisville, Jess Weixler; que encarna a Dawn O´Keefe, una joven puritana con dientes en sus órganos sexuales; demuestra un ápice de lucidez.