Páginas vistas en el último mes

jueves, 2 de julio de 2009

MOVIE SOUNDTRACK : Christina Ricci canta This Little Light Of Mine/ Black Snake Moan-Craig Brewer,2006.



Contenido del clip : Christina Ricci canta This Little Light Of Mine, canción tradicional del Sur de los Estados Unidos, arreglada para la película Blake Snake Moan, por Alvin Youngblood Hart.

BLACK SNAKE MOAN.


Black Snake Moan significa en traducción literal de inglés a castellano, el gemido de la serpiente negra, y hace referencia al mágico mundo del blues, a las costumbres tradicionales de los negros estadounidenses y al propio sentido humano por el amor no correspondido, por la infidelidad y los contravalores, el vicio y la perversión. Cómo afirma Lazarus (espléndido Samuel L.Jackson) mientras interpreta la canción que da título al film delante de una sensibilizada Rae (sorprendente Christina Ricci), el gemido de la serpiente negra es un sonido que te persigue eternamente en vida cuando algo ha quebrado tus sentimientos más íntimos.
El film del realizador de Virginia, Craig Brewer, es realmente bello, incluso enmarcado en duras escenas llenas de amargura. Black Snake Moan supone además un duelo interpretativo entre Jackson y Ricci, endulzado por bellas canciones cómo When The Lights Go Out interpretada por The Black Keys, My Baby Got Drunk de Paul "Wine" Jones, la tradicional Balm In Gilead a cargo de Sharon Epatha Merkerson, y la bella This Little Light Of Mine dulcemente cantada por Christina Ricci en una secuencia del film. Samuel L.Jackson emociona convertido en cantante y guitarrista de blues dando perfecta cuenta de Stackolee, Alice Mae, Catfish Blues y la ya mencionada Black Snake Moan.
Una película formidable, genialmente interpretada y dirigida, (sorprende también gratamente la interpretación de Justin Timberlake que interpreta al novio de Rae, Ronnie), que resulta muy recomendable.
En el fondo es una pieza que otorga notable protagonismo a Dios, y que critica la bajeza moral de cierta parte de la juventud, alejada de los principios morales que engrandecen al ser humano. Lazarus, viejo zorro, es un experto y espontáneo educador, desde la conciencia que sólo la madurez consigue.
Bella y sobre todo, muy humana.
Prometo hacer siempre caso a las sabias palabras de Eddie James "Son House".
El blues vive entre el amor y el dolor.

BLACK SNAKE MOAN (2006). Dirección y guión : Craig Brewer. Fotografía : Amy Vincent. Montaje : Billy Fox. Producción : John Singleton y Stephanie Allain. Dirección artística : Liba Daniels. Música : Scott Bomar. Intérpretes : Samuel L.Jackson, Christina Ricci, Justin Timberlake, S.Epatha Merkerson, John Cothran Jr., David Banner, Michael Raymond-James y Kim Richards. 116´Color. EE.UU. Paramount Classics-New Deal Productions-Southern Cross The Dog Productions.
Fotografía : Lazarus (Jackson) y Rae (Ricci), el maestro y la alumna de Black Snake Moan, una estupenda película con moraleja.

miércoles, 1 de julio de 2009

KARL MALDEN (Chicago,1912/Los Angeles,2009).


Mladen George Sekulovich, hijo de madre checa y padre serbio; ganador del Oscar de Hollywood en 1952 por su trabajo como actor secundario en A Streetcar Named Desire,
(Elia Kazan,1951) película en la que interpretó al inolvidable Harold "Mitch" Mitchell, ha fallecido a la edad de 97 años en la localidad californiana de Brentwood, Los Angeles.
Nos quedan para recordarle innumerables trabajos para el cine y la televisión, siendo uno de los más populares el del detective de la policía Mike Stone, en The Streets of San Francisco, serie que estuvo en antena desde 1972 a 1977.
Malden trabajó a las órdenes de grandes directores de la talla de Delmer Daves (The Hanging Tree,1959 y Parrish,1961), Elia Kazan (Baby Doll,1956 y A Streetcar Named Desire,1951), John Ford (Cheyenne Autumn,1964), Henry Hathaway (Nevada Smith,1966) y John Frankenheimer (Birdman of Alcatraz,1962 y All Fall Down,1962).
También queda cómo legado su inolvidable rol de Zebulon Prescott en How The West Was Won (Ford, Hathaway, Marshall, Thorpe, 1962).
En paz descanse.

THE COTTAGE.


Con la mezcla de géneros en el cine ocurre lo mismo que en la repostería. No guardar la medida exacta de ingredientes puede llevar al fracaso. The Cottage comete el error de pretender añadir un humor insípido y comediante a lo que en el fondo es una película con escenas tan truculentas cómo las de The Texas Chainsaw Massacre. La historia muestra a dos hermanos, uno más espabilado, David (Andy Serkis); el otro un pobre hombre más inocente que un fuelle, Peter (Reece Shearsmith); que deciden secuestrar a la imponente hija de un mafioso, Tracey (Jennifer Ellison); a fin de cobrar un suculento rescate que les permita vivir con desahogo. Para ello cuentan con la torpe colaboración del hermanastro de la raptada, Andrew (Steven O´Donnell); un individuo con pocas luces y nula movilidad.
Las cosas comienzan a complicarse cuando nada sale cómo estaba planeado.
En la primera parte del film, su director y guionista, Paul Andrew Williams; demuestra un pulso hábil manejando la comedia con una soltura muy británica. La clave del secuestro ejecutado por un listo y dos tontos es un recurso que da mucho juego a la carcajada. Todo se complica después, cuando Williams pretende infiltrar a la bestia rural, un granjero deforme y depredador (Dave Legeno); en pleno paisaje descacharrante. La sangre empieza a fluir con intensidad, y las buenas intenciones de una película que empieza resultando agradable, se transforman en demasiada hemoglobina sin ton ni son.
The Cottage es un film intenso en cuanto a la dirección, pero desabrido en el guión.
Y eso, que en un par de ocasiones me ha hecho reir.

THE COTTAGE (2008). Director y Guión : Paul Andrew Williams. Música : Laura Rossi. Fotografía : Christopher Ross. Montaje : Tom Hemmings. Producción : Martin Pope y Kent Marshall. Intérpretes : Andy Serkis, Jennifer Ellison, Reece Shearsmith, Dave Legeno, Steven O´Donnell y Logan Wong. 92´Color. UK. UK Film Council-Steel Mill Pictures.
Fotografía : Secuestrada y raptores (Ellison, Serkis y Shearsmith), unidos frente a un enemigo común.

THE HAUNTING OF MOLLY HARTLEY.


The Haunting Of Molly Hartley es una película que sorprende, acogida dentro del género fantástico, tan prolífico en los últimos tiempos y a veces tan deficitario de calidad.Y lo hace porque tras el decorado inicial, se esconde una historia con fundamento en dónde juegan a favor elementos tales como no descubrir los ases hasta la jugada final ó una correcta intepretación a cargo de la actriz protagonista, la atractiva Haley Bennett. El realizador responsable de la pieza, Mickey Liddell; ensambla bien los contenidos, creando una atmósfera misteriosa, atrapando nuestra atención a base de una intriga nada exagerada, centrada en una medida justa.
El film de Liddell no es recalcitrante a la hora de esbozar los retazos fantásticos que contiene, antes bien trata el integrismo religioso y el pacto de los padres de Molly con el Diablo cómo una circunstancia mundana, alejada de artificios escénicos y efectos visuales. El rol de Molly Hartley y todos los personajes que le rodean configuran un escenario de rutina, sólo rota cuando la trama alcanza el dieciocho cumpleaños de la protagonista, fecha elegida por las fuerzas malignas para realizar el traspaso de poderes hacia una emancipación de la que Molly intenta escapar, aunque termine aceptándola de buen grado.
The Haunting Of Molly Hartley es una de esas obras, consideradas menores; que sin embargo merece la pena saborear, para descubrir que a veces el fantástico gana calidad con la ayuda del drama, y no con atiborrantes colecciones de efectos en forma de criaturas de ultratumba ó sanguinolentas explosiones.
Entretenida y recomendable.

THE HAUNTING OF MOLLY HARTLEY (2008). Director : Mickey Liddell. Guión : Rebecca Sonnenshine y John Travis. Música : James T.Sale. Fotografía : Sharone Meir. Montaje : Zene Baker. Producción : Jerry P.Jacobs y Jennifer Hilton. Intérpretes : Haley Bennett, Jake Weber, Chace Crawford, Shannon Woodward, Shanna Collins y Nina Siemaszko. 82´Color. EE.UU. Liddell Entertainment.
Fotografía : Haley Bennett (Molly) y Chace Crawford (Joseph), dos estudiantes que no son lo que parecen.

PUSH.


Push se puede definir como un thriller fantástico de acción. La película del director escocés Paul McGuigan se desarrolla en torno a dos colectivos, uno oficial, el otro proscrito; que poseen una serie de sobrenaturales poderes sensitivos, entre los que se encuentran la telequinesis, el sonido, el mentalismo y el rastreo a distancia. Ambos se enfrentan en pos de una chica, Kira Hudson (Camilla Belle) que porta un maletín con una sustancia capaz de aumentar los poderes antes mencionados, y que le ha sido suministrada, siendo ella la única que ha logrado continuar viva tras asimilarla en su sangre. La División, grupo oficial de poder, se enfrenta sin desmayo a dos rebeldes, Nick Gant (Chris Evans) quinético, y Cassie Holmes (Dakota Fanning), mentalista. A todo el enredo de añade una pasada relación sentimental entre Kira y Nick.
Destaca el trabajo en el bando de los malvados de Djimon Hounsou que interpreta el rol de Henry Carver y la sibilina impronta de la actriz Maggie Siff, que por momentos recuerda a Sean Young. Rodada íntegramente en Hong Kong.
Aunque a ratos peca de falta de ritmo, las escenas de acción están construidas con bastante convicción.
Se puede ver con esfuerzo, sabiendo de antemano que el producto no es convencional.
No tomes decisiones que un vidente pueda rastrear, amigo mío.

PUSH (2009). Director : Paul McGuigan. Guión : David Bourla. Música : Neil Davidge. Fotografía : Peter Sova. Montaje : Nicolas Trembasiewicz. Efectos visuales : Kent Houston y Dion Hatch. Producción : Glenn Williamson, William Vince y Bruce Davey. Intérpretes : Chris Evans, Dakota Fanning, Camilla Belle, Djimon Hounsou, Maggie Siff, Nate Mooney y Ming-Na. 111´Color. UK-EE.UU.-Canadá. Summit Entertainment-Icon Productions-Infinity Features Entertainment.
Fotografía : Chris Evans (Nick Gant) y Dakota Fanning (Cassie Holmes), un tándem casi perfecto en pos de la libertad, en un mundo dominado por los sensitivos.

martes, 30 de junio de 2009

FRIDAY THE 13TH.


Pasan los años y Jason Voorhees sigue custodiando Camp Crystal Lake cómo el primer día. Para dar fe de ello, el director alemán Marcus Nispel nos introduce en el universo del psicópata grandullón y enmascarado, con la misma ferocidad que el realizador newyorkino Sean S.Cunningham utilizó en 1980, durante aquella primera entrega de la saga. La fórmula no ha variado demasiado, y las víctimas siguen siendo tan propicias cómo insustanciales. Guapas chicas con ropa ceñida ó sin ella, mucha cerveza, sexo y tontorrones diálogos.
Eso sí, el film de Nispel introduce al muchacho fornido y heroico que cabalga en moto buscando a su hermana desaparecida meses atrás en la zona boscosa de Crystal Lake, Clay Miller (Jared Padalecki), y a un pijo prepotente, Trent (Travis Van Winkle), cuyo padre forrado de dólares; es el dueño de la cabaña alrededor de la que se producen varios de los crímenes de Jason.
El día que Hollywood entierre a Jason definitivamente, nos quedaremos huérfanos de un personaje maltratado por los intereses comerciales, que han hecho de él un asesino casi a sueldo, en vez del psicópata solitario de 1980.
Predecible.

FRIDAY THE 13TH (2009). Director : Marcus Nispel. Guión : Mark Swift y Damian Shannon, según una historia de Mark Wheaton, Mark Swift y Damian Shannon basada en los caracteres creados por Victor Miller. Música : Steve Jablonsky. Fotografía : Daniel Pearl. Montaje : Ken Blackwell. Producción : Michael Bay, Andrew Form y Bradley Fuller. Efectos visuales : Alex Romano. Intérpretes : Jared Padalecki, Travis Van Winkle, Danielle Panabaker, Amanda Righetti, Aaron Yoo, Willa Ford, Derek Mears y Julianna Guill. 97´Color. EE.UU. New Line Cinema-Paramount Pictures-Crystal Lake Entertainment-Platinum Dunes.
Fotografía : Chelsea (Willa Ford) una rubia más en la lista de víctimas de Jason (Derek Mears).

ANNE OF THE INDIES.


Anne Of The Indies tiene algo que la hace especial. La historia de una mujer pirata que en realidad existió, Anne Bonny, surcando los mares del Caribe allá por el siglo dieciocho; fue llevada al cine por el director franco americano Jacques Tourneur, con un estilo impecable, dando una impronta especial a la actriz protagonista, la bella Jean Peters, y transformándola por arte de birlibirloque en una filibustera con aires masculinos. Anne Of The Indies posee el encanto del olor a ron y salitre, pero también el descubrimiento de una heroina de antaño capaz de mantener duelos de sable y amar al mismo tiempo, circunstancia esta que durante gran parte del film, la propia pirata pretende ignorar. La aparición en escena del apuesto actor francés Louis Jourdan que interpreta a un espía al servicio de la Corona, el Capitán Pierre François LaRochelle; da un giro a lo que hasta entonces simulaba la típica historia de bucaneros. Anne Providence (Peters) muestra su flanco débil, atrapada por un pertinaz y espontáneo enamoramiento que no puede controlar y que incluso le lleva a obviar las advertencias de su amigo Blackbeard (sensacional Thomas Gómez). Se inicia entonces una fuga de la tozuda pirata, que descubrirá la verdadera identidad de su idolatrado invitado a bordo, e incluso que ya tiene esposa, la dulce y más femenina que ella Molly LaRochelle, (candida Debra Paget).
Tourneur se recrea con el rostro de Peters, mostrándonos una colección eterna de gestos de la actriz, siendo el instante más inolvidable cuando Providence se prueba el pomposo vestido amarillo, botín de un asalto, con el que deslumbra a la cámara.
Sensacional es también el trabajo del actor inglés Herbert Marshall, que cubre la identidad del Doctor Jameson, confidente de la pirata y probablemente el único con agallas para hablarle con franqueza.
El dilema que ocupa la mente de Annie, al final del film, tiene un desenlace romántico, épico y fuera del alcance del prototipo de películas del género bucanero.
Una de las grandes películas del no menos grande Jacques Tourneur.

ANNE OF THE INDIES (1951). Director : Jacques Tourneur. Guión : Philip Dunne y Arthur Caesar, basado en una historia de Herbert Ravenel Sass. Música : Franz Waxman. Fotografía : Harry Jackson. Montaje : Robert Fritch. Producción : George Jessel. Vestuario : Edward Stevenson. Dirección artística : Albert Hogsett y Lyle R.Wheeler. Intérpretes : Jean Peters, Louis Jourdan, Debra Paget, Herbert Marshall, Thomas Gómez, James Robertson Justice y Francis Pierlot. 87´Color. EE.UU. 20th Century Fox.
Fotografía : Jean Peters, caracterizada como Anne Providence, una de las actrices que mejor ha manejado la espada en la historia del cine.

EL JUEGO DEL AHORCADO.


El realizador madrileño Manuel Gómez Pereira nos propone un cuadro adolescente con tintes dramáticos, filmado con sinceridad y compromiso. El Juego del Ahorcado es una película cruda, cocinada con notable profundidad de caracteres, ensalzando el lado más punzante del amor entre dos jovenes que se conocen desde niños. Sandra (Clara Lago) y David (Alvaro Cervantes) se mueven en el laboratorio de la vida como muñecos de un guiñol basado en la supervivencia, arrastrados por las circunstancias del destino como si una sombra negra les estuviera aguardando dispuesta a no darles tregua. Gómez Pereira logra dar buena forma a su historia, huyendo de artificios, mostrando a la pareja con intensidad e incluso, por momentos, logrando algún atisbo de emoción en el espectador.
El juego del ahorcado es en sí mismo el que da sentido a la historia, David juega con soltura, Sandra pretende resistir aunque al final, cuando ya es tarde; descubre que tal vez su vida no está hecha para el parchís. Las existencias cruzadas de ambos jovenes circulan hacia delante, sin que nada pueda detener su devenir. Ni siquiera las respectivas figuras paternas, pese a los intentos de influencia en la educación y futuro de los hijos, dan la sensación de poder variar un destino trazado desde mucho tiempo atrás.
Gómez Pereira faculta con intención a Clara Lago, consiguiendo la joven actriz madrileña un excelente trabajo interpretativo y descubriéndose como un firme valor en alza dentro del cine español.
El realizador cuida especialmente los diálogos, omitiendo algo tan habitual por desgracia para nuestro cine cómo el atiborramiento de vulgaridades y palabras malsonantes. Simplemente las justas, lo cuál es de agradecer.
El Juego del Ahorcado logra transmitir en justa medida la sensación de desengaño y acrimonia, que su director pretende.
Estamos delante de una historia amarga, impresa en imágenes con buenas dosis de rigor, sin que nada de lo visto parezca fruto de la casualidad.
Destacable trabajo de la actriz Adriana Ugarte, que da vida a Olga, amiga y confidente de Sandra.
Interesante.

EL JUEGO DEL AHORCADO (2009). Director : Manuel Gómez Pereira. Guión : Salvador García Ruiz y Manuel Gómez Pereira, basado en una novela de Imma Turbau. Música : Bingen Mendizabal. Fotografía : Juan Amorós. Montaje : José Salcedo. Producción : Tristan Lynch, Ana Amigo, Manuel Gómez Pereira y Dominic Wright. Intérpretes : Clara Lago, Alvaro Cervantes, Adriana Ugarte, Abel Folk, Boris Ruiz, Mary Murray y Victor Valdivia. 114´Color. España-Irlanda. El Amigo de Lenon-Ovideo TV SA-Subotica Entertainment.
Fotografía : Sandra (Clara Lago), la vida cambia en un sólo segundo.

lunes, 29 de junio de 2009

ESKALOFRIO.


Una vez más el alma eterna del bosque se apodera del género fantástico de la mano, esta vez; del director extremeño Isidro Ortiz, en una película dividida en dos partes. La primera, con cierto ritmo en la narración; más ó menos hasta la muerte del pastor de ovejas a manos de la pequeña criatura del bosque, Erica Hassel,(Berta Ros). La segunda, falla de la narración; que recrea el desenlace y en la que Ortiz da muestras de ineficacia. Cuando el peso de la historia se desdibuja es el mismo instante en el que la acción nos cuenta que, en realidad; la criatura caníbal y vampírica del bosque es una niña salvaje criada entre bestias, al estilo de Victor de Aveyron, niño que fue hallado en 1790 en los bosques de Toulouse en donde había crecido aislado de la civilización convirtiéndose en una bestia más de las que pueblan la naturaleza. El director francés François Truffaut estrenó en 1960 L´Enfant Sauvage inspirado en aquella peculiar historia de la vida real.
Claro que el enfoque de Ortiz nada tiene que ver con el del genial realizador galo. Por contra, la figura del niño salvaje de Ortiz roba protagonismo al plano puramente fantástico, y se queda entre dos aguas, como si el director cacereño fuera incapaz de decantarse y elegir qué sentido quiere dar a la historia.
Lo mejor de Eskalofrío es, sin lugar a dudas; el excelente trabajo fotográfico del barcelonés Josep María Civit, que imprime rigor al producto.
Correctas interpretaciones de Mar Sodupe, que recrea a Julia, una madre comprometida con la causa de un hijo enfermo aunque audaz; y Blanca Suárez, que da vida a Angela, una joven que da escolta al protagonista en las pesquisas en pos de la resolución de la intriga planteada. El joven actor madrileño Junio Valverde (Santi), se muestra valiente en su trabajo, aunque en los instantes de mayor tensión emocional resulte algo aspaventero.
Cómo asegura Dimas, el personaje cimentado con comedimiento por el actor catalán Francesc Orella, "el bosque hay que respetarlo", aunque olvide añadir, por propio interés, que en el exterior de la floresta no existe respeto alguno. Y es precisamente ese, el ingrediente que Ortiz diluye como azucarillo en agua de fuego.
Carente de emotividad, con el agravante de que este tipo de historias dan mucho juego en ese sentido. Desaprovechada.

ESKALOFRIO (2008). Director : Isidro Ortiz. Guión : Hernán Migoya, José Gamo, Alejandro Hernández e Isidro Ortiz. Música : Fernando Velázquez. Fotografía : Josep María Civit. Montaje : Bernat Aragonés. Efectos especiales : José María Aragonés y Arturo Balceiro. Intérpretes : Junio Valverde, Mar Sodupe, Blanca Suárez, Jimmy Barnatán, Francesc Orella, Paul Berrondo, Josep María Domenech y Berta Ros.
91´Color. España. A Punto La Postpo-Fausto PC.-Telecinco Cinema-TV3.
Fotografía : Blanca Suárez, (Angela), "la chica buena" de Eskalofrío.

SOMNE.


El realizador televisivo y director de cine extremeño Isidro Ortiz, que además fue encargado de diseño y ejecución de la Expo Internacional de Sevilla en 1992; nos traslada en su film Somne un cuento de ciencia ficción, que resulta un tanto fallido sobre todo por la escasa capacidad expresiva de su actriz protagonista, la canaria Goya Toledo, que encarna a Andrea, una neuróloga que se ve envuelta en una trama de misterio cuando acude cómo nueva empleada a un centro de investigación alertada en parte por el reciente suicidio de una antigua amiga.
Somne resulta aburrida porque pierde ritmo a medida que avanza la historia, mostrando Ortiz una lastimosa rémora con la mayor parte de los actores elegidos para dar forma a su película. Tan sólo el actor gallego Nancho Novo, encargado de dar cobertura al excéntrico Diego logra atraer algo la atención.
No se consigue un producto con cimientos de ciencia ficción y por desgracia, Somne termina decepcionando. Da la sensación de que a Ortiz le supera el producto que trata de manejar, incluso cuando al final de la historia comprobamos que durante hora y media hemos asistido a un argumento demasiado predecible.
Tedio asegurado, sólo se salvan las escenas que abren la película, con la persecución y posterior accidente del Doctor Guilles (Chete Lara).
El género de ciencia ficción merece más mimbres.

SOMNE (2005). Director : Isidro Ortiz. Guión : David Alonso y Cristóbal Garrido. Música : Javier Cámara. Fotografía : Pedro Del Rey. Montaje : Manel G.Frasquiel. Producción : Luis Méndez y Emma Lustres Gómez. Intérpretes : Goya Toledo, Oscar Jaenada, Nancho Novo, Chete Lara, Jordi Dauder, Gary Piquer y Uxía Blanco. 90´Color. España. Lotus Films-Vaca Films-Yacaré Films.
Foografía : Goya Toledo encarna a Andrea, una defensora de la máxima, la vida es un sueño y los sueños, sueños son.

EL ORFANATO.


El Orfanato se vende a priori como cine de terror, aunque tras ver la película por segunda vez, descubrimos un poso sublime de romanticismo aupado en la personalidad maternal de su protagonista, Laura (Belén Rueda), una madre adoptiva que pierde a su hijo en extrañas circunstancias y que se obsesiona con localizar al desaparecido por encima de cualquier otra prioridad. Rueda realiza un trabajo espectacular, en el que al día de hoy se puede considerar como el mejor ejercicio de su carrera artística. Considero El Orfanato una de las mejores películas españolas de los últimos diez años, mérito que crece aún más cuando se descubre que tras la cámara se encuentra un director novel, el barcelonés Juan Antonio Bayona.
La excelente fotografía de Oscar Faura contribuye en gran medida a crear un paisaje que se confabula con la trama expuesta.
Son especialmente sugerentes las escenas rodadas en la oscuridad de la casa, el asturiano Palacio de Partarriu de Llanes, y la fuerza que Bayona imprime en la relación entre Laura, su hijo Simón (Roger Príncep) y los fantasmas infantiles que regresan desde el pasado al presente para mostrar a la protagonista el sentido de la vida.
Perfecta la caracterización de la actriz catalana Montserrat Carulla cómo Benigna, la anciana y misteriosa mujer en cuya existencia se encierra el eje motor de la trama.
El Orfanato, cuyo argumento no resumo para no robar ni un ápice del interés que posee esta gran película; es ante todo una bella historia, rodada con mimo y tiento, poética y apasionada; que puede servir de perfecto homenaje a las madres, esas que dan sin pedir algo a cambio.
Ganadora de siete premios Goya de la Academía Española de Cine en la edición de 2008 : director novel, maquillaje y peluquería, dirección artística, diseño de producción, guión original, sonido y efectos especiales; Maribel Verdú arrebató el galardón de mejor actriz a Belén Rueda con el papel de Angela en Siete Mesas de Billar Francés (Gracia Querejeta,2007), en una decisión, sin desmerecer a la ganadora; muy discutible.
Un cuento precioso que sin liquidar protagonismo al miedo, pasa de la tragedia al romanticismo con soltura y agradecida valentía.
Redonda.

EL ORFANATO (2007). Dirección : Juan Antonio Bayona. Guión : Sergio G.Sánchez. Música : Fernando Velázquez. Montaje : Elena Ruiz. Fotografía : Oscar Faura. Producción : Alvaro Augustín, Joaquín Padró, Mar Targarona y Guillermo Del Toro. Dirección artística : Iñigo Navarro. Efectos especiales : Lluis Castells. Sonido : Oriol Tarragó, Marc Orts y Jordi Bosch. Intérpretes : Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Edgar Vivar y Geraldine Chaplin.
105´Color. España-México. Telecinco Cinema-Está Vivo, Laboratorio de Nuevos Talentos-Grupo Rodar-TV3-Wild Bunch-Warner Bros.
Fotografía : Laura, una hija adoptada en el pasado, madre adoptiva en el presente y dulce fantasma del futuro. Belén Rueda imprime a la maternidad un valor pocas veces mejor ensalzado en la historia del cine.

domingo, 28 de junio de 2009

REST STOP.


Dos jovenes, Jess Hilts (Joey Mendicino) y Nicole Carrow (Jaimie Alexander) viajan rumbo a Los Angeles a través de una carretera secundaria poco transitada. Cuando se detienen en una área de descanso, y ella va al servicio durante pocos segundos, el chico desaparece. A partir de entonces, la pesadilla se adueña de la trama, convirtiendo a Nicole en la presa de un psicópata que viaja en camioneta.
Un tipo de historia demasiado manejada en múltiples variantes, que no aporta novedad alguna y que sirve sólo para sobresaltar a los espectadores ávidos de sustos y persecuciones entre psicópatas y presas fáciles.
Curiosa por la presencia de una familia que viaja en caravana y que responde a la seña de identidad de una moralina exacerbada lindante con la chaladura. Entre ellos, un padre predicador, una madre insatisfecha, dos hijos gemelos y un tercero enano y discapacitado; y el sádico criminal de la ranchera, el lado perverso de la historia mantiene cierta intensidad, aunque cómo es de esperar desde el primer segundo de proyección, el final es tan previsible cómo pobre.
Exceso de sangre y escenas telegrafiadas.
Abstenerse los espectadores con problemas digestivos.

REST STOP (2006). Dirección y guión : John Shiban. Música : Bear McCreary. Fotografía : Mark Vargo. Montaje : Richard Byard. Producción : Tony Krantz, Daniel Myrick y Shawn Papazian. Intérpretes : Jaimie Alexander, Joey Mendicino, Deanna Russo, Diane Salinger, Curtis Taylor y Joseph Lawrence. 80´Color. EE.UU. Raw Feed-Flame Ventures.
Fotografía : Nicole Carrow, encarnada por la actriz Jaimie Alexander, una heroina poco convincente.

REST STOP : DON´T LOOK BACK.


Los estadounidenses presumen de tener una red de carreteras tan amplia como la largura y anchura de su país, de norte a sur y de este a oeste. Ese detalle no ha pasado desapercibido para los guionistas y directores cinematográficos desde el Psycho de Hitchcock hasta nuestros días. Claro está que tras aquella magistral lección de buen cine a cargo del realizador británico, el resto de productos suele ser de una calidad más bien nula.
Rest Stop : Don´t Look Back es una segunda parte precedida por Rest Stop (John Shiban,2006) que construye una historia de horror francamente desagradable a la vista. Un cabo del ejército y su sicalíptica novia rubia inician una cruzada para encontrar al hermano pequeño de aquel desaparecido en compañía de su novia cuando realizaban un viaje a California por una carretera secundaria poco transitada. Les acompaña un amigo, un tanto infantil, que sirve de reclamo humorístico a la trama, aunque no consiga arrancar ni una simple sonrisa.
Fantasmas, leyendas indias, vísceras, sangre, integrismo religioso y psicópatas chiflados.
En efecto, las carreteras norteamericanas son tan largas y anchas cómo la desfachatez de quienes buscan a través de un derroche de hemoglobina construir una historia terrorífica medianamente interesante.
Violencia y mucho polvo en el camino. Sólo para aficionados a la chacinería.
Lo mejor de la historia, el personaje de la madre de la familia majareta que viaja en la caravana, interpretada por la actriz Diane Salinger.

REST STOP : DON´T LOOK BACK (2008). Director : Shawn Papazian. Guión : John Shiban. Música : Bear McCreary. Fotografía : Jas Shelton. Montaje : Richard Byard. Producción : John Shiban, Steve Ecclesine y Tony Krantz. Intérpretes : Richard Tillman, Jessie Ward, Graham Norris, Joey Mendicino, Julie Mond, Diane Salinger y Brionne Davis. 89´Color. EE.UU. Raw Feed-Flame Ventures.
Fotografía : La actriz Julie Mond, que encarna a Nicole, un fantasma del pasado que vuelve para advertir a los automovilistas del peligro que acecha en la vieja autopista de California.