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sábado, 11 de julio de 2009

FUERA DE LOS PLATÓS : RITA HAYWORTH.



Fotografía : Rita Hayworth con el monaguesco Casino de Montecarlo a sus espaldas, Mayo de 1947,(Imágen cortesía de Life).

jueves, 9 de julio de 2009

TRAILER THE LAST MAN ON EARTH (1964).



Contenido del clip : Tráiler de la película The Last Man On Earth, dirigida por Ubaldo Ragona y Sidney Salkow en 1964.

THE LAST MAN ON EARTH.


El escritor y guionista norteamericano Richard Matheson es padre de una serie de grandes novelas fantásticas, casi siempre relacionadas con la ciencia ficción. Una de ellas, I Am Legend, editada en 1954; fue el cimiento de The Last Man On Earth, precursora de la más reciente I Am Legend (Francis Lawrence,2007). Confieso que hasta hace poco, incluso habiendo leído la novela de Matheson y visto la película de Lawrence; no conocía siquiera la existencia de este film dirigido en 1964 por el italiano Ubaldo Ragona y el newyorkino Sidney Salkow.
En realidad, The Last Man On Earth es un film infravalorado, rodado en el Lazio romano y en los Estudios Titanus, en cuya trama sobresale el factor soledad como estilete que se nos cuela por los ojos. Un hombre y científico desesperado, que ha visto caer a su familia y a gran parte de la humanidad, víctimas de un virus que se propaga por el aire; debe enfrentarse a una solitaria existencia, sólo quebrada por los nocturnos ataques de un grupo de muertos vivos, que se deslizan por la oscuridad con el alma en pena. Ragona y Salkow nos presentan de entrada la rutina diaria que el Doctor Robert Morgan (genial como siempre Vincent Price) afronta para sobrevivir en una sociedad inexistente. Luego, mediante un flashback muy correcto, nos relatan cómo todo llegó al derrumbado presente. Por fin, mediante un desenlace, tal vez lo más flojito de la película; nos sumergen en el antídoto al problema, que el propio Doctor Morgan consigue siguiendo las indicaciones de una mujer infectada, aunque medicada para contener puntualmente la terrible enfermedad. Tras ella, Morgan descubre que un grupo de infectados tratados con sangre desfibrilada, pretenden asesinarle y crear una nueva sociedad, ya que desconfían de él, por ser el único ser humano no infectado.
The Last Man On Earth posee momentos y detalles brillantes. Los ajos y los espejos cómo escudo utilizado por Morgan contra los nocturnos muertos vivos, detalle más vampírico que zombie; la ceguera como preludio a la muerte a causa del virus, la insistencia de Cortman por terminar con la vida de Morgan repitiendo una y otra vez aquello de "Morgan, Come Out", el perro superviviente que el audaz doctor encuentra hacia la mitad de la trama, la proyección de películas familiares en las solitarias noches del hogar de Morgan, la fosa común ardiente donde van a parar los cuerpos infectados, el frigorífico del supermercado al que acude Morgan en busca de ajos frescos con los que reponer el escudo de defensa personal colocado sobre la puerta de su casa, el final de la historia con Morgan muerto y Ruth Collins (interpretada por la actriz romana Franca Bettoia) saliendo de la iglesia y pidiendo a un crío que deje de llorar.
Algunos consideran The Last Man On Earth un film serie B, dicho ello en tono despectivo, (personalmente me niego a definir los b movies como un género inferior), y aunque así fuera, entiendo la historia de Regona y Salkow cómo una atractiva curiosidad, digna de estudio y reflexión. Desde luego no inferior a la reciente I Am Legend, protagonizada por Will Smith.
Teniendo en cuenta que George A.Romero estrenó Night Of The Living Dead en 1968, me niego a creer que no fijara algunas de las escenas de este clásico de los muertos vivientes y errantes, basándose en The Last Man On Earth.
Interesante.

THE LAST MAN ON EARTH (1964). Dirección : Sidney Salkow y Ubaldo Regona. Guión : Richard Matheson, Ubaldo Regona y Furio M.Monetti, basados en una historia escrita por William F.Leicester a partir de la novela I Am Legend de Richard Matheson. Música : Paul Sawtell y Bert Shefter. Fotografía : Franco Delli Colli. Montaje : Franca Silvi y Gene Ruggiero. Producción : Robert L.Lippert. Intérpretes : Vincent Price, Franca Bettoia, Emma Danieli, Giacomo Rossi-Stuart, Umberto Raho y Christi Courtland. 86´Blanco y Negro. EE.UU.-Italia. Associated Producers (API)-Produzioni La Regina.
Fotografía : El Doctor Morgan (Price), el último ser humano sobre la Tierra, intentando encontrar vía radio algun compañero para acabar con la soledad que le rodea.

miércoles, 8 de julio de 2009

LAT DEN RATTE KOMMA IN.


El hecho de que Lat Den Ratte Komma In haya sido largamente galardonada en festivales cinematográficos de medio mundo, no es casual. El realizador sueco, Tomas Alfredson, ha logrado construir una película de marcado carácter fantástico, acomodando algo tan eterno e inmortal como el vampirismo a un costumbrismo, rara avis en este tipo de historias. A ello contribuye el paisaje urbano helado y nevado, con esas casas tipo colmena residencial en las que habitan los protagonistas. Un barrio de andar por casa, en cuyo corazón se unen los destinos de un niño y una vampiresa infantil. Curiosa relación, a la que Alfredson saca brillo. No hay fuegos fatuos en Lat Den Ratte Komma In. Incluso las escenas mas sanguinas están rodadas con sublime gusto y una estética digna de elogio, describiendo el drama real de un ser condenado a sobrevivir exterminando al prójimo para beber su sangre. Oskar y Eli no son sólo buenos amigos, sino que alcanzan una complicidad difícil de hallar entre dos jovenes actores en toda la historia del cine. Lina Leandersson, la vampiresa; y Kare Hedebrant, el niño que logra sobreponerse a los abusos de sus compañeros de colegio, construyen un escenario amargo, puede que incluso claustrofóbico; pero a la vez maravillan al espectador con una amistad pura y simple.
El film de Alfredson no es, en fin; una vulgar historia de vampiros al uso, sino que encierra una sensibilidad y un fondo de trama de enorme calado.
Lat Den Ratte Komma In contribuye por sí sola a la regeneración del cine fantástico, dando al vampirismo cinematográfico un enfoque muy peculiar, que personalmente me ha enamorado.
El modo con el que Alfredson abre y cierra cada escena, los rostros pálidos de los niños protagonistas, el amor de un padre por su hija ansiosa de sangre humana, el infantil enamoramiento de Oskar, la relación cordial de este con su padre y más problemática con su madre, el beso de Oskar a la boca ensangrentada de Eli, la frase "Ponte en mi piel por un momento" dirigida por la niña a su compañero de juegos, la interminable inmersión de Oskar en la piscina y la cabeza y el brazo de su agresor amputados apareciendo en escena y anunciándonos que Eli ha llegado en defensa de su amigo, el contrapunto del rojo sangre con el blanco nieve y de fondo el oscuro color de la enigmática y deprimente noche, la estupenda escena de los gatos iracundos atacando a la única agredida por Eli que logra sobrevivir, la genial banda sonora obra de Johan Soderqvist y la idea principal que subyace tras la visión del genial conjunto : un romanticismo que golpea la puerta del terror, apoderándose de él, no con efecto apisonadora, sino más bien con un bendito parasitismo progresivamente conquistador.
El paso del tiempo no logrará borrar de mi memoria la grandeza de esta soberbia y genial película.
Imprescindible, incluso para quienes no suelen frecuentar este tipo de historias.
Veánla, y ya me dirán.

LAT DEN RATTE KOMMA IN (2008). Director : Tomas Alfredson. Guión : John Ajvide Lindqvist, basado en su propia novela. Música : Johan Soderqvist. Fotografía : Hoyte Van Hoytema. Montaje : Tomas Alfredson y Daniel Jonsater. Producción : Carl Molinder y John Nordling. Intérpretes : Kare Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg, Ika Nord y Karl Robert Lindgren. 115´Color. Suecia. EFTI-Sveriges TV-Filmpool Nord-Fido Film AB-The Chimney Pot-Ljudligan-Sandrew Metronome.
Fotografía : Oskar (Kare Hedebrant) ó ¿qué se siente cuando descubres que tu mejor amiga es, en realidad, un ser de otro mundo?.

ROVDYR.


El cine noruego, en pleno estado de ebullición en los últimos años, nos presenta un film violento con pretensiones de horror más bien gratuito, cuya mayor virtud es el esfuerzo fotográfico de su responsable, Havard Andre Byrkjeland. Filmada con tonos de ropa de camuflaje, la trama tiene lugar en un amplio espacio boscoso, en el que cuatro jovenes excursionistas procedentes de la ciudad se disponen a pasar unos días de asueto. Por desgracia para ellos, unos locos con aspecto de cazador, comienzan a acosarles hasta el punto de improvisar una persecución en la que los jovenes se convierten en presas cinegéticas.
Con semejante planteamiento, la historia se convierte en truculenta y se difuminan con rapidez los atisbos primarios de conflicto de caracteres entre los protagonistas y cualquier otro esbozo de identidad dramática. Cuando acaba la proyección flota en el ambiente una gélida sensación, cómo si lo único con capacidad de impresionar al espectador fuera la humedad del bosque. Personalmente hubiese agradecido un mayor esfuerzo en el retrato de la personalidad de los protagonistas.
Buena en estética, pero deficiente en intensidad narrativa.

ROVDYR (2008). Dirección : Patrik Syversen. Guión : Nini Bull Robsahm y Patrik Syversen. Fotografía : Havard André Byrkjeland. Producción : Torleif Hauge. Música : Simon Boswell. Intérpretes : Henriette Bruusgaard, Jorn Bjorn Fuller Gee, Kristina Leganger Aaserud, Janne Beate Bones y Lasse Valdal. 78´Color. Noruega. Euforia Film-Fender Film.
Fotografía : Camilla (Henriette Bruusgaard) sometida por el cuchillo del depredador.

DIETA MEDITERRANEA.


Salado, dulce, amargo y ácido. Cuatro sabores muy definidos que pretenden sentar las bases de una película, desarrollando la historia de una cocinera de altos vuelos, y su alter ego con forma de dúplo masculino, a saber un marido buenazo, Toni; y un amante golfo, Frank. Sofía necesita contar con los dos para llenar su vida, incluso para beber en las aguas de la inspiración profesional. Y una voz en off, en realidad la hija pequeña de Sofía, todavía en el vientre materno; nos va relatando una trama en donde abunda la comedia por encima del drama. El director y guionista barcelonés Joaquín Oristrell utiliza la zona costera catalana para dibujar un cuadro en donde destaca sobre todo la actuación de Olivia Molina, que desnuda delante del espectador el complejo mundo de Sofía persona y Sofía cocinera. Una mujer dotada de fuerte personalidad, atrapada entre fogones y una doble relación sentimental, que termina perfilando un triángulo amoroso consentido por los dos hombres de su vida, y criticado por el resto de la gente. Paco León y Alfonso Bassave dan vida a Toni y Frank, pilares en la existencia de una maestra de la alquimia culinaria, mujer que termina apoderándose del aprecio del espectador.
Dieta Mediterránea es una película sincera, dotada de un perfil rebelde pero genial, muy comediante y francamente simpática.
Dentro de los muchos productos fáciles que da a luz el cine español, se agradece de vez en cuando un rayo de luz, por muy tenue que sea; cómo el que sale desde los fogones y el alma de Sofía hasta nuestras retinas.

DIETA MEDITERRANEA (2009). Dirección : Joaquín Oristrell. Guión : Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano. Fotografía : Albert Pascual. Dirección artística : Llorenç Miquel. Intérpretes : Olivia Molina, Paco León, Alfonso Bassave, Carmen Balagué, Roberto Alvarez y Jesús Castejón. 100´Color. España. Messidor Films SL.
Fotografía : El trio protagonista, Molina-León-Bassave; en una de las muchas discusiones que pueblan la película.

martes, 7 de julio de 2009

THE LAST HOUSE ON THE LEFT.


Dos jovenes adolescentes, Mari Collingwood y Phyllis Stone (Sandra Peabody y Lucy Grantham), desean celebrar el cumpleaños de la primera de ellas en un concierto de punk rock. Durante los previos al espectáculo musical y mientras buscan alguien que les proporcione marihuana, tropiezan con cuatro presidiarios huidos de la cárcel que manifiestan una sociopatía psicótica de insospechadas consecuencias.
La pesadilla comienza, siendo filmada por Wes Craven con absoluta acritud y violencia. The Last House On The Left supuso el estreno de Craven como director y sembró de polémica todas y cada una de sus proyecciones, por ser considerada cómo una de las más desagradables películas de la historia del cine.
La violencia que imprime Craven a las escenas intenta amortiguarse a ratos con guiños comediantes, trazados de un modo fundamental por la pareja de policías, tan torpes cómo burlescos. Sin embargo, la historia que contiene secuencias de alto contenido violento, sobrecoge y puede llegar a resultar inconveniente para frágiles sensibilidades.
El debut de Craven tuvo más publicidad por la polémica surgida, que por la calidad de la película, rodada con pobres recursos y tenue capacidad cinematográfica.
Los personajes parecen surgidos de un macabro teatro de guiñol, atados a unas cuerdas móviles dirigidas por un sádico, que a ratos se recrea en la perversidad, en la maldad y en una alevosía malsana.
Ni siquiera el desenlace, con los padres de Mari sedientos de venganza, alterados en sus personalidades concede una sensación de justicia al conjunto, y antes bien lo asilvestra aún más.
Uno de esos films no recomendable para cualquier tipo de espectador.

THE LAST HOUSE ON THE LEFT (1972). Dirección : Wes Craven. Guión : Ulla Isaksson y Wes Craven. Música : David Hess. Montaje : Wes Craven. Fotografía : Victor Hurwitz. Producción : Sean S.Cunningham. Efectos especiales : Troy Roberts. Intérpretes : Sandra Peabody, Lucy Grantham, David Hess, Fred J.Lincoln, Jeramie Rain, Marc Sheffler, Richard Towers y Cynthia Carr. 91´Color. EE.UU. Lobster Enterprises-The Night Co.-Sean S.Cunningham Films.
Fotografía : Tres de los cuatro locos fugados de la cárcel, interpretados por David Hess (Krug), Jeramie Rain (Sadie) y Fred J.Lincoln ("Weasel" Fred).

SWAMP THING.


Swamp Thing es una película con una clara impronta B Movie dirigida por uno de los mejores directores de género fantástico de los setenta y ochenta, el director de Cleveland, Wes Craven. Tras su debut como realizador en 1972, con The Last House On The Left, Craven demostró tomando los pantanos de Charleston, en Carolina del Sur; como base de operaciones, que su construcción de historias a medio camino entre la fantasía y el terror, era más que afición, dedicación.
Swamp Thing contiene retazos de trama científica, con una fórmula magistral por la que pugnan dos hombres, con intereses contrapuestos. El Doctor Alec Holland, su inventor, encarnado por el actor Ray Wise, y el Doctor Anton Arcane diseñado con malévolo amaneramiento por el veterano Louis Jourdan; mantienen un duelo a muerte en pos de la ciencia, el primero; y de la avaricia y el poder corrupto, el segundo. Entre medio, la bella de la historia, la exuberante Alice Cable; encarnada por la actriz californiana Adrienne Barbeau.
Basada en un cómic de éxito aparecido en 1971, e ideado por Len Wein y Bernie Wrightson, Swamp Thing no está hecha con pretensiones más allá de formar parte de una legión de películas edificadas con premeditada idea de divertir a lo aficionados al fantástico. Craven y su equipo de rodaje nos trasladan una historia de amor entre desiguales, que sirve de esqueleto y desenlace a la trama, homenajeando mitos como el de La Bella y La Bestia, y poniendo en duda la ética de los avances científicos y tecnológicos, muchas veces agresores contra la naturaleza.
Swamp Thing debe verse con una óptica concreta, que no es otra que la que se contempla tras unos cristales de benevolencia hacia un film rodado con mimo y artesana dedicación.
Modesta pero eterna.

SWAMP THING (1982). Dirección y guión : Wes Craven, basado en un personaje de cómic creado por Len Wein y Bernie Wrightson. Música : Harry Manfredini. Fotografía : Robbie Greenberg. Montaje : Richard Bracken. Producción : Michael E.Uslan y Benjamin Melniker. Efectos especiales : Arthur Brewer. Intérpretes : Louis Jourdan, Adrienne Barbeau, Ray Wise, David Hess, Don Knight, Dick Durock y Ben Bates. 91´Color. EE.UU. Swampfilms.
Fotografía : La heroina Alice Cable (Barbeau) convertida en mito erótico gracias a Swamp Thing y su baño en las pantanosas aguas de Charleston.

PIRANHA.


Junto con el Jaws de Steven Spielberg en 1975, Piranha de Joe Dante, fechado tres años después; es probablemente el título más aceptable dentro del género de animales asesinos, de cuantos se estrenaron en aquella década.
El comienzo de la historia con la luna iluminando en parte la penumbra de un riachuelo mientras dos jovenes excursionistas demasiado atrevidos traspasan los límites de una verja que encierra un complejo militar de experimentación científica, es sencillo aunque antológico desde un punto de vista narrativo. Dante elabora una escena perfecta, llena de suspense.
A partir de ese instante, los fotogramas nos muestran a una joven, Maggie McKeown (Heather Menzies), que se gana la vida localizando desaparecidos y que se encargará de intentar dar con el paradero de la pareja. Para ello cuanta con la ayuda de un solitario y rudo hombre de montaña, Paul Grogan (Bradford Dillman), que empina el codo con la misma facilidad que construye una balsa con troncos.
Dante contó con dos ilustres actores del género fantástico, el veterano Kevin McCarthy que encarna al Doctor Hoak, padre de las criaturas sanguinarias, y la sibilina actriz inglesa Barbara Steele, metida en el rol de la Doctora Mengers, especialista en peces tropicales y responsable en parte de los experimentos que provocan la tragedia. En realidad, Piranha es un cuento de terror costumbrista, que se desarrolla en un río, en una época estival en la que los humanos acostumbramos a buscar momentos de ocio en amplios espacios naturales.
Las pirañas funcionan como ingrediente perverso, buscando sembrar de pánico las retinas del espectador, aunque siguiendo el modelo de Jaws, en esta historia también hay una crítica dirigida al peor depredador de la naturaleza, el hombre.
El film de Dante es un icono del género fantástico que tanto frecuentó el director de New Jersey. Su dimensión roza el universo del B Movie, aunque hay que reconocerle una categoría especial basada en un guión maquiavélico y un gusto evidente por el cine en estado puro. Sólo de ese modo puede justificarse el interés real que encierra la película desde el primer segundo de proyección hasta su instante final.
Piranha es, en definitiva; una de esas películas que no pasan de moda, modesta en efectos pero construída con imaginación y ganas de entretener, aunque sea a base de sustos.
Imprescindible.

PIRANHA (1978). Director : Joe Dante. Guión : John Sayles, basado en una historia de Richard Robinson y el propio Sayles. Montaje : Joe Dante y Mark Goldblatt. Música : Pino Donaggio. Fotografía : Jamie Anderson. Efectos especiales : Jon Berg. Producción : Jon Davison y Chako Van Leeuwen. Intérpretes : Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin McCarthy, Keenan Wynn, Dick Miller, Barbara Steele, Belinda Balaski, Paul Bartel y Melody Thomas Scott. 94´Color. EE.UU. New World Pictures.
Fotografía : Cartel publicitario de la película.

THE GORGON.


Como las famosas hijas de Elena, tres eran tres las górgonas. La mitología griega nos presenta a Medusa, Esteno y Euríale, seres horrendos con serpientes en lugar de cabellos y con una profunda mirada capaz de petrificar a los humanos. Los responsables de The Gorgon realizan una mezcla de personalidades mitológicas griegas, usando un nombre de górgona (Medusa) y dos de furias (Tisiphone y Megaera). Sólo el nombre de Medusa se respeta cómo górgona en esta película de 1964 dirigida por el londinense Terence Fisher y protagonizada por los soberbios actores británicos Christopher Lee y Peter Cushing. Sin embargo la gorgona, en realidad furia; Megaera, la única superviviente de las tres horrendas hermanas; es la elegida para sembrar de terror los bosques de Vandorf, una pequeña población alemana, lugar en donde se localiza la trama. La acción transcurre en la primera década de 1900 y Fisher va desgranando una historia fantástica, con cruces evidentes de leyenda y folklóre popular, en la que una serie de asesinatos atraen el interés del espectador. Las víctimas terminan petrificadas (gorgonizadas) de miedo, mientras un médico, Doctor Namaroff (Cushing), se halla inmerso en la investigación propicia que le conduzca a la solución del enigma. Su bella ayudante, Carla Hoffman (interpretada por la actriz londinense Barbara Shelley), que padece episodios regulares de amnesia; ocupa gran parte de sus reflexiones.
En el otro bando se encuentran los tres varones de una misma familia : el padre Jules Heitz, un eminente catedrático de Leipzig (Michael Goodliffe); Bruno, el hijo de vida desordenada que terminará ahorcado (Jeremy Longhurts) y Paul (Richard Pasco), que sigue los pasos de su progenitor y que contará con la ayuda de otro brillante catedrático, el Profesor Karl Meister (Lee), en la búsqueda tenaz de la misteriosa Megaera.
Es probable que The Gorgon no sea la mejor película fantástica de la Hammer británica, aunque goza de una exposición aceptable, bañada por un fino rocío de terror barroco, nada amanerado en las formas y buscando siempre la raíz misma del miedo como expresión de unas creencias respetadas y elevadas a la condición de culto popular.
La película de Fisher añade un guión correcto del redactor londinense John Gilling, que también dirigió para la Hammer, así como una banda sonora original mezcla de voz soprano y novacordio, responsabilidad de James Bernard.
Una pequeña gran joya del género fantástico.

TEH GORGON (1964). Director : Terence Fisher. Guión : John Gilling, basado en una historia escrita por J.Llewellyn Devine. Música : James Bernard. Fotografía : Michael Reed. Montaje : Eric Boyd-Perkins. Producción : Anthony Nelson Keys. Dirección artística : Don Mingaye. Efectos especiales : Sydney Pearson. Intérpretes : Christopher Lee, Peter Cushing, Barbara Shelley, Richard Pasco, Michael Goodliffe, Prudence Hyman, Jack Watson y Jeremy Longhurst. 83´Color. UK. Hammer Film Productions.
Fotografía : Megaera, nombre de furia mitológica, reconvertida en górgona; interpretada por la actriz londinense Prudence Hyman.

lunes, 6 de julio de 2009

NIGHT TRAIN.


Night Train es una moraleja cinematográfica sobre la ambición desmedida del ser humano por lo material. Rodada integramente en Bulgaria por el director y guionista Brian King, la historia comienza cuando un pasajero sube a un tren, portando una misteriosa caja y fallece minutos después. A partir de entonces, el responsable del ferrocarril, Miles (correcto Danny Glover) y dos pasajeros del mismo, la bella estudiante de medicina Chloe White (genial Leelee Sobieski) y el agente de seguros Peter Dobbs (Steve Zahn) se enzarzan en una carrera sin final por la posesión de la caja de madera, que parece contener piedras preciosas de ingente valor. Lo malo es que cada uno de ellos cree ver en el interior del misterioso objeto tesoros diferentes. La caja, en realidad, posee una fuerza sobrenatural capaz de dominar al ser humano que la posea y que curiosee en su interior.
El ritmo narrativo de Night Train es el gran valuarte de esta película, cuya visión garantiza al menos, un buen rato de entretenimiento. Leelee Sobieski se muestra espectacular, combinando momentos de presunta inocencia con otros de probada maldad. La actriz newyorkina construye un personaje capaz de cualquier cosa, con tal de obtener beneficios, incluso de llegar al asesinato sin muestra alguna de rubor.
El veterano Danny Glover también mantiene el pulso, muy en su papel de buen hombre que incluso cuando hace el mal tiene para ello un motivo basado en la buena fe.
Un producto entre el thriller y el fantástico, con ligero mayor peso del primero sobre el segundo, aunque al final nos quede la duda de saber qué se esconde dentro de la caja de madera.
Ni siquiera los protagonistas parecen saberlo, aunque Miles ande muy cerca.
Entretenida.

NIGHT TRAIN (2009). Dirección y guión : Brian King. Música : Henning Lohner. Fotografía : Christopher Popp. Montaje : Patrick Wilfert y Carl Kress. Efectos especiales : Jason Collins y Elvin Jones. Efectos visuales : Liubomir Savov y Alex Filipov. Intérpretes : Danny Glover, Leelee Sobieski, Steve Zahn, Matthias Schweighofer, Takatsuna Mukai y Jo Marr. 83´Color. EE.UU.-Rumanía-Alemania. Film Tiger-A Mark Entertainment-Night Train Films-Rifkin Eberts-Instinctive Film.
Fotografía : Chloe White (Leelee Sobieski),una mujer menos inocente de lo que parece.

THE UNBORN.


The Unborn, es ante todo una película desordenada. Mezcla de tópicos del género fantástico, amontonando sin gracia un niño mellizo no nacido que regresa del otro mundo para atormentar a su hermana nacida, Casey (Odette Yustman), con tradiciones religiosas judías, diablos y exorcistas, canes con la cabeza del revés y posesiones infernales demasiado escatológicas. Lo peor de esta historia dirigida y escrita sin firmeza por el realizador David S.Goyer es la falta de regularidad que demuestra, influenciada por un quiero y no puedo de su autor.
Ni siquiera la presencia de dos buenos actores como Gary Oldman, (Rabino Sendak) y Jane Alexander (Sofi Kozma, abuela de Casey) dan fortaleza a la idea, difuminada hasta el último segundo de proyección.
Verter en una coctelera todo tipo de lícores y agitar, no es garantía de un gran coupage. Goyer peca de falta de precisión y el espectador termina aburrido.

THE UNBORN (2009). Dirección y guión : David S.Goyer. Montaje : Jeff Betancourt. Música : Ramin Djawadi. Fotografía : James Hawkinson. Producción : Andrew Form, Michael Bay y Bradley Fuller. Intérpretes : Odette Yustman, Gary Oldman, Jane Alexander, Meagan Good, Cam Gigandet y Carla Gugino. 87´Color. EE.UU. Rogue Pictures-Phantom Four-Platinum Dunes.
Fotografía : Cartel publicitario de la película.

LAKEVIEW TERRACE.


Que Samuel L.Jackson es uno de los mejores actores de nuestra era, nadie lo pone en duda. Que su presencia en un film mediocre es capaz de ensalzarlo hasta convertirlo en atractivo, queda presente tras ver Lakeview Terrace, un thriller atiborrado de clichés, que sin embargo gana categoría en base a la actuación notable del actor de Washington. En suma, la película del director Neil LaBute nos traslada la típica historia del vecino atormentado y un tanto psicópata, que hace la vida imposible a la joven pareja recién llegada al vecindario. Más de lo mismo de siempre. Si bien LaBute cuenta con el apreciable as de Jackson, que una vez más demuestra unas tablas inmensas, convertido en el agente de policía Abel Turner, padre de dos hijos y engañado en el pasado por su esposa fallecida en accidente de tráfico. El hecho de que los nuevos vecinos sean hombre blanco, Chris (Patrick Wilson) y mujer de color, Lisa (Kerry Washington), provoca en el irascible Jackson un especial recelo salpicado de tintes racistas por su profunda incomprensión hacia las parejas de diferente etnia.
A lo largo de la historia, el espectador atrapa con meridiana claridad los complejos y manías de Abel Turner, y en un paisaje lleno de tópicos cinematográficos, intuye siquiera cierta calidad derivada del gran trabajo del actor principal.
Por lo demás Lakeview Terrace es un film demasiado predestinado a un fin, con un desenlace evidente y una carga dramática amparada sólo en uno de sus peones. Suficientes motivos para declararlo sólo apto cómo producto dirigido a los fans del gran Samuel L.Jackson.

LAKEVIEW TERRACE (2008). Director : Neil LaBute. Guión : David Loughery y Howard Korder, basado en una historia de David Loughery. Música : Jeff y Mychael Danna. Fotografía : Rogier Stoffers. Montaje : Joel Plotch. Producción : James Lassiter y Will Smith. Intérpretes : Samuel L.Jackson, Patrick Wilson, Kerry Washington, Jay Hernández, Justin Chambers y Keith Loneker. 110´Color. EE.UU. Overbrook Entertainment-Screen Gems.
Fotografía : Turner (Jackson) y Mattson (Wilson), dos vecinos enfrentados.