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sábado, 1 de agosto de 2009

FUERA DE LOS PLATÓS : EVA MENDES.

Fotografías : Eva Mendes paseando por Beverly Hills, (7 de Julio de 2009).


GRAN TORINO.


Si algo destaca entre los fotogramas de Gran Torino es la facilidad que tiene Clint Eastwood director para hacer de lo simple un tratado complejo de humanidad y convivencia. Porque la historia que nos traslada el realizador y actor californiano es, en realidad, una trama sin aparentes complicaciones. Un hombre que enviuda, unos hijos que no le comprenden, y unos vecinos de la etnia hmong que se cruzan en su camino y que resultan ser el Santo Grial del final de su existencia. El personaje que recrea el propio Eastwood, Walt Kowalski, estadounidense de origen polaco; es un tipo perteneciente a la generación de la Guerra de Corea, hecho a sí mismo, de los que van de frente, poco dado a carantoñas y golpecitos en la espalda. Rudo tal vez, pero con gran corazón. Su pasado militar le atormenta, y debido al trauma bélico, el carácter de Kowalski permanece encerrado en una concha de difícil apertura. Serán sus adolescentes vecinos, primero Sue Lor (Ahney Her), después el hermano de esta, Thao (Bee Vang); quienes mejor arranquen el velo que cubre la verdadera identidad del terco protagonista. Eastwood hace un despliegue interpretativo magnífico, con comentarios en voz baja cargados de mala uva, gesticulando como él sólo sabe hacerlo, acaparando la acción de un modo sublime.
El actor californiano logra con Gran Torino dos objetivos : primero, consolidarse como uno de los mejores directores de los últimos años; segundo, certificar que por encima de sus pasados roles de hombre duro, subyace un actor capaz de generar admiración construyendo personajes versátiles, de esos que jamás se olvidan. Porque Walt Kowalski esconde, bajo la capa de lobo feroz, un ser humano con un corazón de los que no caben en el pecho.
Interesante también el trabajo del actor pelirrojo Christopher Carley, enmarcado como el Padre Janovich, que dibuja al comienzo de la historia el hilo conductor de la misma, la discusión sobre la vida y la muerte. Kowalski muestra con claridad al espectador que significan ambas para un ciudadano de a píe, sin más pretensiones que tirar del carro de la primera para llegar a la segunda con dignidad.
Gran Torino es una estupenda película, un elogio a la bondad, al humanismo y la busqueda de una respuesta a la identidad del ser humano, por encima de ideologías, etnias y diferentes culturas.
Soberbia la escena en la que uno de los hijos de Kowalski acude junto a su interesada esposa a casa del padre, para felicitarle y regalarle para su cumpleaños un teléfono con números gigantes y una pinza enorme para coger objetos elevados. El rostro de Eastwood en primer plano parece situarse a punto de ebullición.
Tampoco tiene desperdicio la que muestra a Walt acudiendo con su alumno Thao a la peluquería de Martin (John Carroll Lynch), dispuesto a enseñarle como habla un auténtico hombre en público.
Imprescindible.


GRAN TORINO (2008). Director : Clint Eastwood. Guión : Nick Schenk, basado en una historia de Nick Schenk y Dave Johannson. Música : Kyle Eastwood y Michael Stevens. Montaje : Joel Cox y Gary Roach. Fotografía : Tom Stern. Producción : Clint Eastwood, Bill Gerber y Robert Lorenz. Intérpretes : Clint Eastwood, Christopher Carley, Ahney Her, Bee Vang, John Carroll Lynch, Geraldine Hughes, Brian Haley, Brian Howe y Chee Thao. 116´Color. EE.UU.-Australia-Alemania. Matten Productions-Gerber Pictures-Warner Bros Pictures-WV Films-Media Magik Entertainment-Malpaso Productions-Village Roadshow Pictures-Double Nickle Entertainment.
Fotografía : Walt Kowalski (Eastwood), un personaje cinematográfico para la eternidad.

viernes, 31 de julio de 2009

IN BRUGES.


In Bruges no es una película fácil de digerir. Si la enfocamos como thriller las goteras pueden vaciar el cuenco. De hecho quien pretenda buscar en este film del director londinense Martin McDonagh alguna seña de identidad emparentada con un film noir caerá en la trampa de ver gigantes donde sólo hay molinos. En realidad, y aunque el esqueleto de In Bruges pueda rememorar ciertas historias de tiempos pasados, la carne, la masa celular de la historia es más un canto de humanismo que una trama con humo de cigarrillo y pianista al uso. McDonagh no busca enlanzar con una historia de audacia, sino reflejar en un tono gris la personalidad de dos perdedores natos. Ray Cranham (Colin Farrell) y Ken Blakely (Brendan Gleeson) no son héroes, tampoco tipos duros. En el fondo no son más que dos farsantes que no se sienten orgullosos de serlo. Frente a ellos la sombra chinesca del mafioso Harry Waters (Ralph Fiennes) que les acosa y al que McDonagh caricaturiza sin contemplaciones.
Esconderse en Brujas no es, probablemente; la mejor de las ideas. Y sin embargo, algo tiene esa ciudad que hace de la trama un caldo de cultivo para la reflexión, la introspección y finalmente para el abatimiento. Cranham y Blakely son dos fracasados que pretenden salir del agujero negro a toda costa. Pero por alguna desconocida circunstancia, les resulta imposible. Todo va siempre en su contra.
La historia es una crítica al uso de la violencia para alcanzar un fin, y McDonagh la desarrolla analizando a sus dos protagonistas, logrando un film amargo pero repleto de instantes de locuaz comicidad.
Brillante.


IN BRUGES (2008). Dirección y guión : Martin McDonagh. Montaje : Jon Gregory. Música : Carter Burwell. Fotografía : Eigil Bryld. Producción : Peter Czernin y Graham Broadbent. Dirección artística : Chris Lowe. Intérpretes : Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes, Clemence Poésy, Thekla Reuten y Elizabeth Berrington. 107´Color. EE.UU.-UK. Blueprint Pictures-Film4-Focus Features-Scion Films.
Fotografía : Cranham y Blakely, (Farrell y Gleeson), paladines de la desidia y la frustración.

EL INVIERNO DE LAS ANJANAS.


Las anjanas son unos seres mitológicos, hadas buenas; que habitan según cuenta la tradición, en los bosques de Cantabria. Estamos delante de la ópera prima del director de Torrelavega, Pedro Telechea, una película bien estructurada aunque lejana en cuanto a sentimientos. Lo que falta en El Invierno De Las Anjanas es un ápice de carga romántica, pues los personajes se mueven por la escena con demasiada cuadriculatura, cómo si alguién les marcara el paso con absoluta precisión.
Tal vez sea la actriz Elvira Mínguez, que encarna a María, una mujer aquejada por la cercanía de un esposo rígido en exceso (rol en manos de Juan Diego) y por el mal de amores de su hermana pequeña, Adelaida (bella, aunque poco concisa con el papel Elena Anaya); la única que destaca sobre el conjunto desabrido de la obra.
Buena fotografía a cargo del madrileño Angel Luis Fernández, que se recrea en la naturaleza cántabra, desde Punta Ballota a la Torre de San Telmo, pasando por los bosques verdes de la bella región española.
El Invierno De Las Anjanas es una película demasiado ordenada, poco comprometida con el recurso onírico de la historia que pretende contar. Le falta vida y le sobra ansia por la perfección.

EL INVIERNO DE LAS ANJANAS (2000). Director : Pedro Telechea. Guión : Pedro Telechea y Diego Modino. Música : Mario De Benito. Fotografía : Angel Luis Fernández. Montaje : Luis Villar. Intérpretes : Eduardo Noriega, Elena Anaya, Elvira Mínguez, Juan Diego, Antonio Resines, Ana Gracia, Juan Meseguer y Mario Zorrilla. 90´Color. España. Alma Ata International Pictures SL-Astrolabio Producciones SL.
Fotografía : Elena Anaya (Adelaida), víctima del mal de amores por culpa de la Guerra de Cuba.

jueves, 30 de julio de 2009

ESCENAS INOLVIDABLES : BASIC INSTINCT (Paul Verhoeven,1992).

video

Contenido del clip : Catherine Tramell (Sharon Stone) ejecuta el famoso cruce de piernas, ante los aturdidos y embelesados ojos de Nick Curran (Michael Douglas) y sus compañeros de comisaría.
("Basic Instinct", Paul Verhoeven-1992).

FUERA DE LOS PLATÓS : DIANE KRUGER.

Fotografías : La actriz y modelo alemana Diane Kruger, saliendo de The Corner Fashion Boutique, establecimiento situado en la Französische Strasse de Berlín, (27 de Julio de 2009).


ANGELS AND DEMONS.


Basada en el best seller del escritor inglés Dan Brown, autor también de The Da Vinci Code, Angels and Demons es ante todo una película sin un sólo segundo para el aburrimiento. Se puede acusar a Ron Howard, su realizador; de superficial, incluso de director demasiado amparado por los efectos visuales, pero lo que resulta innegable es el hecho de que sus historias siempre mantienen en vilo al espectador hasta el instante final.
En Angels and Demons, Howard nos presenta de nuevo al catedrático de Harvard, erudito en simbología antigua, Robert Langdon, una especie de Indiana Jones de asfalto, encarnado por Tom Hanks, muy comprometido con el personaje. Ya lo hizo en 2006, fecha del estreno de The Da Vinci Code, aquel film polémico que finalmente resultaba menos hiriente de lo previsto.
En esta ocasión el héroe tiene que luchar contra el reloj versus los Illuminati, una histórica organización paralela al Vaticano oficial, que tras fallecer el Papa, secuestra a cuatro de los cardenales favoritos a la sucesión y roba una muestra de antimateria de un laboratorio, con la que pretende sembrar el caos en la Plaza de San Pedro.
A Langdon, le acompaña en esta ocasión, una bella científica, Vittoria Vetra (correcta la actriz israelita Ayelet Zurer); el camerlengo Patrick McKenna (afectada interpretación de Ewan McGregor), un sobrio y tozudo comandante de la Guardia Suiza (Stellan Skarsgard), el Cardenal Strauss (genial como siempre Armin Mueller-Stahl) y un asesino casi infalible, rol que recae en el actor danés Nikolaj Lie Kass.
Angels and Demons es una película vibrante, sin más pretensión que entretener, que no es leve intento; cincelada con maestría por uno de los directores de cine contemporaneos más electrizantes.
Quien busque en esta película aparatosos criterios intelectuales ó ataques contra la fe de Roma, es mejor que desista y se quede en casa rezando por la salvación de la humanidad.
Muy amena. Recomendable.

ANGELS AND DEMONS (2009). Director : Ron Howard. Guión : David Koepp y Akiva Goldsman, basado en la novela homónima de Dan Brown. Producción : Brian Grazer, Ron Howard y John Calley. Música : Hans Zimmer. Fotografía : Salvatore Totino. Montaje : Mike Hill y Daniel P.Hanley. Vestuario : Daniel Orlandi. Intérpretes : Tom Hanks, Ayelet Zurer, Ewan McGregor, Stellan Skarsgard, Armin Mueller-Stahl, Pierfrancesco Favino, Thure Lindhardt, Nikolaj Lie Kaas y Marc Fiorini. 138´Color. EE.UU. Columbia Pictures-Imagine Entertainment.
Fotografía : Ayelet Zurer, (Doctora Vetra), la perfecta escudera del héroe Langdon.

DOMINO.


Inspirada en la vida de un personaje real, Domino Harvey, hija del actor Laurence de idéntico apellido; la película de Tony Scott, hermano de Ridley; merece pocos comentarios. En realidad, el realizador inglés, hasta su incursión en el largometraje habitual en el mundo del video clip; decora el film con una numerosa carga de apuntes marginales, giros repentinos y golpes de efecto, que convierten la historia en una especie de collage deshilachado.
Es posiblemente el peor trabajo de la carrera de la actriz inglesa Keira Knightley, que se muestra fría y demasiado enfatizada para la capacidad que demuestra. Domino es un film reiterativo y con escaso fondo argumental, que se hace largo en exceso y que más parece la primera hoja de una novela de Agatha Christie (esa en la que la escritora siempre presentaba a los personajes) que un largometraje con sentido. Tony, a diferencia de su hermano Ridley; no es un gran director de cine. Sigue pensando en mercadeo, nunca en resultar medianamente serio. Un brazo cortado en donde se esconde la combinación de una caja fuerte, en realidad un frigorífico con varios candados; un grupo de mujeres afroamericanas de postizas largas uñas, un chiflado cazador de recompensas que creció en las calles de Caracas, un chófer afgano sin pestañas especialista en explosivos y dos de los actores principales de una cutre serie televisiva interpretándose a si mismos no son suficientes recursos para lograr atraer la atención del espectador.
Más le valdría a Tony Scott entrar a fondo en sus películas y dejarse de tanta floritura barata.
Mala.

DOMINO (2005). Director : Tony Scott. Guión : Richard Kelly, basado en una historia de Steve Barancik y Richard Kelly. Música : Harry Gregson-Williams. Montaje : Christian Wagner y William Goldenberg. Fotografía : Daniel Mindel. Producción : Samuel Hadida y Tony Scott. Intérpretes : Keira Knightley, Mickey Rourke, Edgar Ramírez, Mena Suvari, Christopher Walken, Jacqueline Bisset, Delroy Lindo, Mo´Nique, Macy Gray y Lucy Liu. 127´Color. EE.UU.-Francia. New Line Cinema-Davis Films-Metropolitan Filmexport-Domino 17521-Scott Free Productions.
Fotografía : Knightley, una cazadora de recompensas demasiado impasible.

miércoles, 29 de julio de 2009

FUERA DE LOS PLATÓS : REESE WITHERSPOON.

Fotografías : La actriz Reese Witherspoon jugando al beisbol durante unas horas de asueto, (Junio de 2009).


DECEPTION.


Deception es un tórrido thriller que se columpia entre la insatisfacción y los instantes de tensión. La primera, porque a estas alturas observar como dos espabilados levantan el dinero negro a una empresa de altos vuelos es más de lo mismo. Encima lo hacen mediante un ordenador portátil derivando los fondos previa transferencia a un Banco Nacional de Madrid, que escenas más tarde se transforma en el Banco Nacional de San Sebastián.
Segunda, porque no se puede negar que la primera parte de la película está realizada con mano firme, si bien es cierto que el propio planteamiento de la historia tiene un componente atractivo, morboso diría yo.
Lo que decepciona en Deception, valga la redundancia; no es el aparatoso carácter malévolo de Wyatt Bose (Hugh Jackman), ni siquiera la exquísita sensualidad de Michelle Williams encarnando a S. Tampoco provoca decepción la bondad típica del personaje tontuelo que termina rebelándose y haciéndose con el timón de la trama, Jonathan McQuarry (Ewan McGregor). Mucho menos la breve aunque sibilina aparición de la espléndida Charlotte Rampling. Lo que realmente distorsiona el producto es la triste realidad de ver como un thriller que comienza con ganas, termina diluyéndose como azucarillo en vaso de agua por culpa de los tópicos.
La visita al banco de la parte final, el The End feliz con la Plaza Mayor madrileña como decorado, la escena en la que McQuarry transfiere el dinero usando su pc portátil, los antecedentes delictivos de Bose, las relaciones sexuales que mantiene McQuarry en múltiples habitaciones de hoteles newyorkinos filmadas con desgana y los chicos buenos enfrentados con el malo en un triángulo poco convincente, minoran la gracia de la película, convirtiéndola en una más de una larga lista.
Deception sirve para pasar el rato y poco más.
Y por favor, señores de Hollywood, dejen de tratar a España cómo si fuera un planeta extraterrestre.
¿Estás libre esta noche?.

DECEPTION (2008). Director : Marcel Langenegger. Guión : Mark Bomback. Música : Ramin Djawadi. Montaje : Douglas Crise y Christian Wagner. Fotografía : Dante Spinotti. Producción : Robbie Brenner, David L.Bushell, Christopher Eberts, Hugh Jackman, John Palermo y Arnold Rifkin. Intérpretes : Ewan McGregor, Hugh Jackman, Michelle Williams, Charlotte Rampling, Bruce Altman, Natasha Henstridge, Paz De La Huerta y Lisa Gay Hamilton. 107´Color. EE.UU. Seed Productions-Rifkin Eberts-Media Rights Capital.
Fotografía : McQuarry (McGregor) y S (Williams), una pareja con poco espíritu.

martes, 28 de julio de 2009

FUERA DE LOS PLATÓS : KATE HUDSON.

Fotografías : La actriz Kate Hudson llegando al apartamento del jugador de béisbol Alex Rodríguez, en Central Park West de Nueva York, (3 de Julio de 2009).


THE EXORCISM OF EMILY ROSE.


Hechos contra probabilidades, ciencia y fe se enfrentan en The Exorcism Of Emily Rose, película dirigida por Scott Derrickson, que también escribió parte del libreto original. Lejos de The Exorcist (William Friedkin,1973), Derrickson infiltra en la trama un juicio en el que se acusa a un sacerdote, el Padre Moore (muy correcto el actor inglés Tom Wilkinson) de haber causado la muerte de una joven, Emily Rose (Jennifer Carpenter) durante varias sesiones de exorcismo. La abogada defensora, Erin Bruner (convincente trabajo de Laura Linney) tendrá que luchar contra el fiscal Ethan Thomas (Campbell Scott), un metodista que se niega a creer en la posibilidad de que el diablo esté detrás de la horrenda muerte de la muchacha.
En realidad, la película está basada en hechos reales, si bien no tal y como se plantean, ya que ni Emily Rose existió, ni los hechos narrados tuvieron lugar en Minnesota. La historia que cimenta el guión de la película de Derrickson se produjo en Alemania y tuvo como víctima a una joven bávara llamada Anneliese Michel.
The Exorcism Of Emily Rose fue presentada cómo una película de género fantástico, cuando evidencia por contra una gran carga dramática y un paisaje más basado en una pugna de creencias que en un escaparate de diablos y paranormalidad.
Si alguien se despierta a las tres de la mañana y huele a quemado, que no llame a los bomberos, sino antes bien a un exorcista.
"Ocupaos en vuestra salvación con temor y temblor..." (Filipenses, 2-12).

THE EXORCISM OF EMILY ROSE (2005). Director : Scott Derrickson. Guión : Paul Harris Boardman y Scott Derrickson. Música : Christopher Young. Montaje : Jeff Betancourt. Fotografía : Tom Stern. Producción : Beau Flynn, Paul Harris Boardman, Gary Lucchesi, Tripp Vinson y Tom Rosenberg. Intérpretes : Laura Linney, Tom Wilkinson, Scott Campbell, Jennifer Carpenter, Colm Feore, Mary Beth Hurt y Mary Black.
122´Color. EE.UU. Screen Gems-Firm Films-Lakeshore Entertainment.
Fotografía : Jennifer Carpenter (Emily Rose), ¿santa ó farsa?. La opinión es libre.

lunes, 27 de julio de 2009

CATWOMAN.


Bob Kane y Bill Finger crearon en 1940 el personaje de Catwoman, también conocido por su nombre real Selina Kyle; dentro del universo cómic de Batman. La enorme personalidad de la gata humana le otorgó de inmediato un trono propio dentro del olimpo de los grandes héroes de viñeta, siempre ágil y dispuesta a defenderse con su látigo.
En 2004 se estrenó Catwoman, bajo la batuta directiva del francés Jean Christophe Comar, alias Pitof; una película deficiente y poco esmerada. De hecho a ratos parece ser más videoclip que largometraje, redundante en escenas de estética cromada y golpes de efecto visuales. Halle Berry plantea una heroina comediante, sin atisbo alguno del recio efecto vintage del personaje original, preocupándose demasiado en el contoneo y descuidando una imagen más pícara e intencionada. No existen las puristas dos caras del héroe, y la diferencia entre Catwoman y Patience Phillips es casi inexistente. De hecho cuando aparece un atisbo de dicotomía, los responsables del film lo anulan con más gestos de comedia.
El malévolo personaje de Laurel Herade aparece también desvirtuado en manos de Sharon Stone, que reincide en la caricatura, presentando a una mujer avinagrada en exceso, cargada de tics y hasta cierto punto ridícula.
Catwoman es una oportunidad desaprovechada para rendir culto a un sensual y lacerante personaje de la historia del cómic, un film sin brújula, empeñado en aparentar y no en describir.
Muy blandita, se deshace antes de terminar.

CATWOMAN (2004). Director : Pitof. Guión : John Rogers, John D.Brancato y Michael Ferris, según una historia de Theresa Rebeck, John D.Brancato y Michael Ferris, basada en el personaje de cómic creado por Bob Kane y Bill Finger. Montaje : Sylvie Landra. Música : Klaus Badelt. Fotografía : Thierry Arbogast. Vestuario : Angus Strathie. Producción : Denise Di Novi y Edward McDonnell. Intépretes : Halle Berry, Sharon Stone, Benjamin Bratt, Lambert Wilson, Alex Borstein, Byron Mann y Frances Conroy. 104´Color. EE.UU.-Australia. Warner Bros Pictures-Di Novi Pictures-Frantic Films-Maple Shade Films-Village Roadshow Pictures.
Fotografía : Cuero negro, latex y maullidos. Halle Berry, una gata sobre el tejado del barrio.

RESIDENT EVIL : EXTINCTION.


En un planeta desertizado, y mientras el malévolo Doctor Isaacs (Iain Glen) sigue empeñado en clonar a Alice (Milla Jovovich), escondido bajo a varios kilómetros bajo tierra, la imbatible heroina cabalga a lomos de una Bmw. Al mismo tiempo un grupo de humanos supervivientes viajan en un convoy dispuestos a mantenerse inmunes a la infección. Alice pretende viajar hasta Alaska a donde cree que el virus no ha llegado.
El director australiano Russell Mulcahy recupera el espíritu de la primera parte de la saga, superando la segunda y mostrándose astuto manejando el poder de la imagen. Curiosa representación de una desértica y polvorienta ciudad de Las Vegas, y espectacular bandada de cuervos mutantes infectados por comer carne humana. No podían faltar los doberman ensangrentados y el sublime aspecto de Alice convertida en exploradora del desierto.
Milla Jovovich se afianza como la más espectacular cazadora de muertos vivientes de la historia del cine. Rodada en exteriores del desierto de Laguna Salada, en la baja California mejicana.
Muy entretenida.

RESIDENT EVIL : EXTINCTION (2007). Director : Russell Mulcahy. Guión : Paul W.S.Anderson. Música : Charlie Clouser. Montaje : Niven Howie. Fotografía : David Johnson. Producción : Bernd Eichinger, Jeremy Bolt, Samuel Hadida y Robert Kulzer. Dirección artística : Marco Niro. Efectos visuales : Dennis Berardi y Alexandre Cancado. Intérpretes : Milla Jovovich, Iain Glen, Ali Larter, Oded Fehr, Ashanti, Linden Ashby, Christopher Egan, Spencer Locke y Mike Epps. 95´Color. Francia-Australia-UK-Alemania-EE.UU. Resident Evil Productions-Constantin Film Produktion-Davis Films-Impact Pictures.
Fotografía : Alice con tres de sus camaradas, (Jovovich, Spencer Locke, Oded Fehr y Ali Larter).

LA TERZA MADRE.


El realizador romano Dario Argento, especialista en giallo thriller y lienzos de terror demoniaco, nos acerca con La Terza Madre al mundo de las brujerías blanca y negra, a través de una supuesta revolución aruspicina encabezada por una de las Tres Madres siervas del demonio, Mater Lachrymarum. Las fuerzas tenebrosas toman las calles de Roma, quemando iglesias y provocando el odio gratuito y los derramamientos de sangre entre los ciudadanos.
Todo ello se produce a raíz del descubrimiento en Viterbo de un feretro y una urna misteriosa pertenecientes a un caballero del siglo XIX.
Asia Argento, hija del director y una actriz con recursos más que evidentes, realiza una pobre actuación, lejos de su auténtica valía. Su rol protagonista, Sarah Mandy, resulta exagerado en lo dramático y a veces desconcertante en expresividad.
Argento no realiza su mejor película, buscando el hilo de un guión que posee innegables lagunas narrativas y percutiendo la retina del espectador con su habitual colección de horrores y flujos sanguíneos.
La Terza Madre pretende más de lo que consigue y los espasmos de sus personajes llegan a resultar más grotescos que efectivos.
Es cierto que la personalidad creativa del director italiano se deja ver en algunas brillantes escenas, como por ejemplo, la de la visita de Sarah Mandy al erudito alquimista Guglielmo De Witt, (sensacional el veterano actor francés Philippe Leroy) ó las que tienen lugar en las catacumbas en la parte final del film.
Sólo para los aficionados al cine de Argento.
Lo que ves no existe, lo que no puedes ver es la verdad.

LA TERZA MADRE (2007). Director : Dario Argento. Guión : Jace Anderson, Dario Argento, Walter Fasano, Simona Simonetti y Adam Gierasch. Montaje : Walter Fasano. Música : Claudio Simonetti. Fotografía : Frederic Fasano. Efectos especiales : Danilo Bollettini. Producción : Marina Berlusconi, Dario y Claudio Argento, Giulia Marletta. Intérpretes : Asia Argento, Valeria Cavalli, Udo Kier, Philippe Leroy, Cristian Solimeno, Moran Atias y Daria Nicolodi. 102´Color. Italia-EE.UU. Myriad Pictures-Medusa Film-Opera Film-FC Torino Piemonte-Sky.
Fotografía : Sarah Mandy (Asia Argento), bruja blanca en apuros, última esperanza de la humanidad para acabar con las fuerzas tenebrosas.

DEEPSTAR SIX.


A rebufo de la excepcional Alien (Ridley Scott,1979) surgieron en la década de los ochenta una serie de películas que trasladaban la historia de alienados seres con pinta de artrópodo que acosaban hasta la extenuación a tripulantes de naves espaciales ó marinas. Deepstar Six es un ejemplo de esta moda. En realidad el producto se encuentra a mucha distancia del film de Scott, no sólo en ritmo narrativo sino también en consistencia. El bicho de Deepstar Six se mueve por fotomigración y pertenece a las profundidades abisales del océano, en donde un grupo de científicos de la marina estadounidense pretenden crear una base militar estable con escaso éxito debido a la presencia del agresivo ser. Mucho ordenador, cuadros de mando, profusión excesiva de falsaria terminología técnica y Cindy Pickett, en el rol de la Doctora Diane Norris, una débil émula de la eterna Teniente Ripley (Sigourney Weaver).
Con tanta cámara de descompresión y válvula de inmemorable nombre, da la sensación de estar presente en un curso de submarinismo avanzado.
Para volverse igual de loco que el personaje de Snyder, interpretado por el actor californiano Miguel Ferrer.
Las guapas Nia Peeples (Scarpelli) y Nancy Everhard (Joyce Collins) ponen la cara amable al endeble producto.
Aventurilla.

DEEPSTAR SIX (1989). Dirección y producción : Sean S.Cunningham. Guión : Lewis Abernathy y Geof Miller. Música : Harry Manfredini. Montaje : David Handman. Fotografía : Mac Ahlberg. Efectos visuales : James Isaac. Intérpretes : Cindy Pickett, Taurean Blacque, Nancy Everhard, Nia Peeples, Miguel Ferrer, Greg Evigan, Matt McCoy y Elya Baskin. 105´Color. EE.UU. Carolco Entertainment-TriStar Pictures.
Fotografía : Nancy Everhard en el rol de Joyce Collins, una guapa aunque tontorrona heroina.

LEGENDS OF THE FALL.


El novelista Jim Harrison escribió Legends Of The Fall a borbotones, sin pausa; durante un fin de semana. El resultado fue una historia que Susan Shilliday y William D.Wittliff tomaron como base de operaciones para esculpir un guión de mérito, repleto de romanticismo y trasladado al espectador en una ágil narración encauzada a modo de flashback a cargo del personaje de One Tab (encarnado por el actor Gordon Tootoosis), el indio coleccionista de cabelleras que vive con la familia Ludlow en el rancho de las canadienses Montañas Rocosas. La película, adornada con una apacible banda sonora responsabilidad de James Horner; posee el encanto de las legendarias sagas familiares, girando alrededor de la controvertida figura de su principal protagonista, el enigmático y rebelde Tristan Ludlow, (Brad Pitt). El actor de Oklahoma plantea un personaje lleno de vida interior, seducido por la naturaleza, hermético y proceloso.
La trama empieza con un militar norteamericano retirado y comprometido con la causa india, William Ludlow (Anthony Hopkins), que decide pasar el resto de su vida en un rancho apartado de la civilización, después de presenciar los horrores de la guerra entre blancos e indígenas. Junto a su esposa y los tres hijos varones de ambos, empieza una vida, sólo alterada por los gélidos inviernos de las montañas. Los cuatro hombres se quedan solos, cuando la madre decide mudarse a la ciudad, cansada de la dureza climática y de una vida apartada de la civilización. Este primer ingrediente, subrayado por el realizador del film, Edward Zwick; marca el futuro de los hombres de la familia Ludlow, que denotan una clara ausencia de influencia femenina en sus vidas. Por eso, cuando el benjamín de la dinastía, Samuel (Henry Thomas) viaja al lado de su madre para estudiar, y regresa años más tarde en compañía de una bella y educada joven de buena familia, Susannah Fincannon (Julia Ormond); todos se vuelcan en acoger a la muchacha, embelesados por sus maneras urbanas y refinadas. Será la guapa prometida de Samuel quién cree los primeros motivos de competencia y discordia entre los Ludlow, máxime cuando Samuel fallece en el campo de batalla, en los brazos de su hermano Tristan, tragedia que marca otro punto de inflexión en el relato.
El regreso a casa de los dos hermanos supervivientes coincide con una imparable atracción entre Tristan y Susannah, cuyas bases empezaron a cimentarse antes del óbito de Samuel. El otro hermano, Alfred (Aidan Quinn), enamorado de la joven, iniciará una carrera política, contraviniendo la férrea voluntad paterna, y forjando un desencuentro familiar de varios años, durante los cuáles la acción exhibe la huida de Tristan, atormentado por la muerte de su hermano pequeño, el matrimonio de Alfred y Susannah y la embolia cerebral que deja al patriarca Ludlow postrado e incapaz de articular palabra.
Legends Of The Fall es una película redonda, que encierra una serie de valores, que se muestran con claridad no sólo desde un punto de vista agradable, sino también desde el dramatismo inherente a la especie humana. La felicidad no perdura para siempre y los hombres tendemos a administrar esos cordiales instantes de nuestras vidas, sin caer en el error de descuidar los flancos, estando siempre preparados para afrontar la adversidad. Los lazos de sangre son eternos, y la familia es siempre el cimiento de nuestra rutina. Esta gran película, fotografiada con esmero por el operador John Toll, pone de manifiesto, que todos tenemos un destino y que comienza a redactarse desde nuestra llegada al mundo amparado por las circunstancias que nos rodean, algunas buenas, otras nefastas. La vida de Tristan, alterada por el ataque de un oso cuando no era más que un niño; está marcada por el hecho de ver morir a todos los que le aman, y sin embargo lejos de presentar un carácter complejo por ser abyecto, magnifica la idea del superviviente con mala suerte. La convivencia con la cruda naturaleza y su educación en manos de un indio, erigen un Tristan intenso, tosco en las formas pero repleto de elevadas dosis de sensibilidad. Porque, como se dice vulgarmente, Tristan es una de esas personas nacidas para servir de paños de lágrimas de los demás. Y derramar las suyas en privado, sin ser visto más que por los ojos del espectador del film.
Puede que lo más flojo de la historia sea el personaje que recrea la actriz inglesa Julia Ormond, que por momentos resulta frágil en cuanto a rigor expresivo. En cualquier caso, su primera aparición, bajando del tren que le conduce hasta la dura convivencia con cuatro hombres, es una loa a la belleza femenina.
El elemento mágico de Legends Of The Fall, basado en ritos indios que nos hablan de la relación natural entre hombres y animales, concede a la trama un baño de calidez y ruptura de fronteras interraciales, acercándonos de forma rotunda a la desconocida y casi siempre infravalorada cultura de los primeros pobladores del Norte de América.
Ganadora del Oscar a la mejor fotografía en la edición de 1995.
Y al final, pocos habrá que no derramen alguna lágrima.
Magnífica.

LEGENDS OF THE FALL (1994). Director : Edward Zwick. Guión : Susan Shilliday y William D.Wittliff, basado en una novela de Jim Harrison. Música : James Horner. Fotografía : John Toll. Montaje : Steven Rosenblum. Dirección artística : Rick Roberts y Andrew Precht. Vestuario : Deborah Lynn Scott. 133´Color. EE.UU. Bedford Falls Productions-Pangaea-TriStar Pictures.
Fotografía : Tristan Ludlow (Brad Pitt), el héroe solitario.

FUERA DE LOS PLATÓS : CHARLIZE THERON.

Fotografías : La actriz sudafricana Charlize Theron saliendo del gimnasio en West Hollywood, (14 de Julio de 2009).


domingo, 26 de julio de 2009

THE HILLS HAVE EYES.


La segunda película en la carrera de Wes Craven, tras su debut en 1972 con The Last House On The Left; supone una vuelta de tuerca más en el universo de las torturas, los espantajos y el horror exagerado. The Hills Have Eyes muestra un cuadro que, en ciertos aspectos repite la estructura de un familia media norteamericana agredida en su rutina por una legión de inadaptados peligrosos. Craven huye de la civilización y mete a la familia Carter, padres, hijos, yerno y nieta; en una cacería al borde del desierto, ejercicio cinegético en el que ellos se convierten en presas más ó menos fáciles de una insospechada panda de tarados, de esos que nadie puede imaginar que existan.
Craven y su estilo personal golpean nuestras retinas, intentando meternos en la piel de quienes buscan el ocio en un camino equivocado, tirando de la trama hacia sí, esculpiendo la tragedia a base de golpes de efecto y caricaturizando el miedo a lo desconocido.
Un viaje de placer a California termina convertido en un calvario, sin que los malévolos truhanes logren convencernos de que tras la tortura se esconde algo personal contra las víctimas. De hecho, los sanguinarios cavernícolas de The Hills Have Eyes usan a la familia Carter como punto de choque de su rebeldía, dando muestras de una sociopatía fruto de una vida lejos del mundanal ruido. Nadie en The Hills Have Eyes tiene en cuenta su condición humana, que queda relegada cuando los acontecimientos comienzan a degenerar. Se abre entonces una lucha por la supervivencia, que sirve de motor a la historia.
The Hills Have Eyes es un cuento plagado de agresividad, característica humana esta que parece vivir dormida en nuestro interior, esperando que alguien sepa despertarla del letargo.
Menos impactante que The Last House On The Left, desprende; eso sí, odio por los cuatro costados.

THE HILLS HAVE EYES (1977). Dirección y guión : Wes Craven. Producción : Peter Locke. Música : Don Peake. Montaje : Wes Craven. Fotografía : Eric Saarinen. Intérpretes : Susan Lanier, Dee Wallace, Martin Speer, Robert Houston, Russ Grieve, Michael Berryman y Lance Gordon. 89´Color. EE.UU. Blood Relations Co.
Fotografía : Michael Berryman, (Pluto en la película) un malvado desquiciado.